Рубрика: рубрика1

Симфоническая музыка –существует почти три столетия. Музыкальные произведения, в которых композиторы в той или иной форме разъясняют слушателям их содержание.

Жанры симфонической музыки:

1. Симфония
2. Симфониетта
3. Сюита
4. Увертюра
5. Симфонические поэмы
6. Симфонические картины
7. Симфонические фантазия
8. Концерт.

Симфония –музыкальное произведение для симфонического оркестра.

СИМФОНИЯ –от греческого слова (symphonia) –созвучие, красивое сочетание звуков, тембров, голосов. Термин , возникший в Древне Греции, обозначал в Заподной Европе до появления жанра симфонии разнообразные вокально-инструментальные композиции. С XVII в. так называли инструментальные интермедии и вступления к опере. Свой классический облик симфония приобретает у представителей венской классической школы – Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена. 

Симфония, которая имеет четыре части–классическая.

Первая часть-быстрая, активная, иногда с медленным вступлением. Она пишется в сонатной форме.

Вторая часть – медленная–обычно задумчивая, элегическая (посвящена мирным картинам природы).

Третья часть –менуэт, а позднее, у Бетховена –скерцо.

Четвертая часть–финал, итог всего цикла.

Встречаются симфонии и с меньшим и с большим количеством частей.

Симфония как самостоятельный музыкальный жанр возникла в конце XVIII–начале XIXвека.  Иногда в симфонии используется хор, певцы-солисты.

Существуют симфонии и для струнного оркестра, духового оркестра и для оркестра народных инструментов.

Послушайте фрагмент. Й.Гайдн Симфонии №45 “Прощальная”

СИМФОНИЕТТА – появились в XIX в. (итал. sinfonietta, уменьшит. от sinfonia) – жанр симфонической музыки, отличающийся от симфонии меньшим масштабом цикла и оркестровым составом (малый симфонический или камерный оркестр). Для Cимфониетты характерна светлая, нередко народно-жанровая образность.

СЮИТА –от французского слова (suite) –ряд, последовательность.

Сюита -музыкальное произведение (оркестровое, инструментальное, или вокально-хоровое) – циклическое инструментальное произведение из нескольких самостоятельных пьес, для которого характерны свобода в количестве, порядке и способе объединения частей, наличие жанрово-бытовой основы или программного замысла.

Вначале в сюиту вошли четыре разнохарактерных танца. Иногда появлялись в сюите и нетанцевальные части-прелюдии, ария, каприччио, рондо.

Старинные сюиты писали многие композиторы. Наиболее известные сюиты И.С. Баха и Й. Генделя. Такие произведения писали и для отдельных музыкальных инструментов, и для небольших оркестровых составов.

Широко известны оркестровые сюиты П.И. Чайковского, сюиты для двух фортепиано С.В. Рахманинова. Другие носят программный характер, например “Каринки с выставки” М. Мусоргского.

Позднее появились сюиты из музыки к театральным спектаклям, кинофильмам. Например музыка к драматическому спектаклю – “Пер Гюнт” Э. Грига, из кинофильма – “Овод” Д. Шостаковича.

Послушайте. И.С. Бах Сюита для виолончели №1 I.Прелюдия.

УВЕРТЮРА –от французского слова (ouverture) –открытие, начало.

Увертюра –в опере исполняется при закрытом занавесе и в общих чертах рассказывает слушателям, какого рода спектакль развернется перед нами: с легкими переживаниями или серьезными, бурными или достаточно спокойными. Увертюра встречается не только в опере. С увертюры начинается оперетта, нередко драматический спектакль, кинофильм.

Послушайте Увертюру к кинофильму “Дети капитана Гранта” И. Дунаевского

СИМФОНИЧЕСКАЯ ПОЭМА -жанр симфонической музыки, созданный Ференцом Листом.

Это понятие появилось в музыкальном искусстве в 1854 году: венгерский композитор Ференц Лист дал определение «симфоническая поэма» своему оркестровому сочинению «Тассо», первоначально задуманному как увертюра. Этим определением он хотел подчеркнуть, что «Тассо» – не просто программное музыкальное произведение. Чрезвычайно тесно связано оно с поэзией своим содержанием. В дальнейшем Лист написал еще двенадцать симфонических поэм. Самая известная среди них – «Прелюды». В основе ее стихотворение французского поэта-романтика Ламартина «Прелюды» (точнее «Прелюдии»), в котором вся жизнь человеческая рассматривается как ряд эпизодов – «прелюдий», ведущих к смерти.

В творчестве Листа сложилась и форма, наиболее характерная для симфонической поэмы: свободная, но с явными чертами сонатно-симфонического цикла (см. рассказ о симфонии), если его исполнять без перерыва между частями. В разнохарактерных эпизодах симфонической поэмы есть сходство с основными разделами сонатной формы: главной и побочной партиями экспозиции, разработкой и репризой. А в то же время отдельные эпизоды поэмы могут восприниматься как части симфонии.

После Листа многие композиторы обращались к созданному им жанру. У классика чешской музыки Бедржиха Сметаны есть цикл симфонических поэм, объединенный общим названием «Моя Родина». Очень любил этот жанр немецкий композитор Рихард Штраус. Широко известны его «Дон-Жуан», «Дон-Кихот», «Веселые проделки Тиля Уленшпигеля». Финский композитор Ян Сибелиус написал симфоническую поэму «Калевала», в основе которой, в качестве литературного источника, лежит финский народный эпос.

Послушайте Симфоническую поэму “Прелюды” Ф. Листа

СИМФОНИЧЕСКАЯ КАРТИНА родственна симфонической поэме. Она так же 1-частна и является жанром программной музыки. Однако, в отличие от поэмы, для которой характерно наличие лирико-философского начала, в картине главенствуют колористические, иллюстративные элементы.

Как правило, симфоническая картина посвящается изображению какого-либо одного события. Так, картина Римского-Корсакова «Садко» основана на одном из эпизодов былины о славном новгородском госте. Произведение повествует о похищении Садко Морским царем, подводной вакханалии и вызванной ею буре.

Содержание иных картин имеет чисто пейзажный характер, ярким примером такой симфонической картины является «Волшебное озеро» Лядова. К симфоническим картинам можно отнести три эскиза Дебюсси «Море», скерцо Дюка «Ученик чародея», фантазию «Лес» Глазунова.

Специфика жанра симфонической картины особенно благоприятствует развитию изобразительных средств музыки. Как правило, симфонические картины отличаются богатством звука, красочностью гармонии, яркостью тембрового колорита. Их образы наглядны, рельефны, вызывают разнохарактерные зрительные ассоциации.

Послушайте Симфоническую картину . А.К. Лядов “Волшебное озеро”.

СИМФОНИЧЕСКАЯ ФАНТАЗИЯ -разновидность Симфонической поэмы или картины. Подобно той или другой, фантазия может нести в себе какую-либо поэтическую идею («Утес» Рахманинова), развернутый сюжет («Франческа да Римини» Чайковского) или содержать живописную задачу («Лес» Глазунова«).

Симфоническая фантазия отличается большей свободой построения, часто–присутствием в программе фантастических элементов.

Тем не менее, в тех случаях, когда строение 1-частных программных пьес оказывалось своеобразным, резко не совпадало ни с одной из общепринятых музыкальных форм, композиторы подчеркивали это обстоятельство, называя такие сочинения фантазиями.

Существует и другой вид произведений, обозначаемых таким же наименованием. Это пьесы, построенные на свободной разработке народных песен. Примеры таких фантазий следующие:

1. «Камаринская» М.И. Глинки – «Фантазия на темы двух русских песен – свадебной и плясовой»;
2. «Фантазия на сербские темы» Н.А. Римского-Корсакова;
3. «Увертюра на три русские темы», «Увертюра на чешские темы»М.А. Балакирева;
4. «Русская увертюра» С. Прокофьева.

Послушайте Симфоническую фантазию “Камаринская” М.И. Глинки

КОНЦЕРТ –от латинского слова (concertare) состязаться.

Концерт –это музыкальное произведение для симфонического оркестра и солирующего инструмента. Инструментальные концерты обычно состоят из трех частей.

Первая часть –быстрая, с бурными событиями.

Вторая часть –медленная, с глубокими переживаниями.

Третья часть –снова быстрая, праздничная.

Заложили эту структуру Й. Гайдн и В.А. Моцарт, а в дальнейшем она утвердилась в творчестве Л.ван Бетховена.

Встречаются также концерты из большего количества частей, бывают они и одночастными. Встречаются концерты и для голоса с оркестром, а так же для двух или трех солирующих инструментов – тогда они называются двойными или тройными.

Развитие жанра концерта как сочинения для одного или нескольких
солирующих инструментов с оркестром продолжилось в XIX веке в
творчестве Н. Паганини, Р. Шумана, Ф. Мендельсона, И. Брамса, Ф. Листа,
П. Чайковского, М. Бруха и многих других композиторов.

К жанру концерта композиторы часто обращались и в XX веке: широко
известны фортепианные и иные концерты С. Рахманинова, С. Прокофьева, Д.
Шостаковича, И. Стравинского, Б. Бартока, Д. Мийо, П. Хиндемита, А.
Шёнберга, А. Берга, А. Веберна.

Послушайте Концерт №2 I часть С. Рахманинова

Пьеса, Прелюдия, Этюд.

В этой теме мы продолжим изучать инструментальные миниатюры. Вы уже знаете, что вся инструментальная музыка делится на две группы :симфоническую и камерную.

Камерной (буквально «комнатной») музыкой называют произведения, рассчитанные на исполнение перед сравнительно небольшим кругом слушателей солистом или небольшой группой музыкантов. Камерные произведения — это либо пьесы для солирующих инструментов: прелюдии, экспромты, музыкальные моменты, ноктюрны, вариации, поэмы, фантазии, либо разнообразные инструментальные циклы: сюиты, сонаты, трио, квартеты и др. Инструментальная миниатюра относится к области камерной музыки. Прочитайте и запомните жанры музыкальных пьес. Ниже мы более подробно рассмотрим некоторые из них.

ПРЕЛЮДИЯ

В XVII веке во Франции начали появляться клавишные прелюдии: в качестве вступлений к частям клавесинной сюиты использовались прелюдии. Первым композитором, использовавшим такой жанр, стал Луи Куперен, после него клавесинные прелюдии без обозначения длительностей писали многие композиторы до первой половины XVIII века.

В течение второй половины XVII века немецкие композиторы начали писать двойные произведения, объединяя прелюдию с фугой в той же тональности. Одним из первых таких композиторов был Иоганн Пахельбель.  Прелюдии и фуги писал И. С. Бах, они более многочисленны и пользуются большей известностью сегодня. Органные прелюдии Баха крайне разнообразны, в них прослеживается как северо немецкое, так и южнонемецкое влияние.
Иоганн Каспар Фердинанд Фишер был одним из первых немецких композиторов, перенёсших французский музыкальный стиль конца XVII века на немецкую клавирную музыку, заменяя стандартную увертюру на прелюдию,  Сборник Фишера «Ariadne musica» — это цикл клавирных произведений, состоящий из прелюдий с фугами. Этот цикл стал предшественником более известного цикла И. С. Баха, «Хорошо темперированного клавира», состоящего из двух томов, содержащих по 24 прелюдии и фуги.

Послушайте Прелюдию и фугу До Мажор из 1 тома Хорошо темперированного клавира И.С. Баха

«Хорошо темперированный клавир» оказал влияние почти на всех значительных композиторов последующих эпох, многие из них написали свои циклы из 12 или 24 прелюдий, которые располагались, как и у Баха, по тональностям. Фредерик Шопен написал цикл из 24 прелюдий без фуг.

Прелюдия до минор – одна из “жемчужин ” цикла. Она еще более миниатюрна (13 тактов). Равномерное движение полнозвучных аккордов в низком регистре напоминает поступь
шествия. Медленный темп, минорный лад придают музыке траурный характер.

И в то же время здесь чувствуется торжественность, приподнятость настроения. Можно представить себе, что это последний путь героя, вождя народа. Очень выразительна смена динамических оттенков. Вначале музыка звучит fortissimo, затем piano, а заканчивается прелюдия pianissimo. Траурно-торжественное шествие как бы удаляется.

Прелюдия №7 Ля-мажор – настоящая жемчужина среди фортепианных миниатюр, написанных в форме периода. В прелюдии всего 16 тактов, но музыкальный образ воплощен ярко и законченно. Светлый, мечтательный характер музыки соединяется с танцевальным ритмом мазурки. Но главное в ней – необычайно проникновенная, “говорящая” мелодия, соединяющая в себе песенность и выразительность человеческой речи:

 В дальнейшем к жанру прелюдии обращались выдающиеся композиторы XIX и XX веков: Рахманинов и Лядов, Скрябин и Дебюсси.

С.Рахманинов Прелюдия op.3 №2 (до-диез минор)

Прелюдия №2 наиболее популярное произведение среди фортепианных миниатюр. Сочинение относится к раннему творчеству композитора, но уже сочетает в себе характерные для стиля черты: насыщенность и красочность звучания; широта регистрового диапазона; пронзительная «колокольность»; продуманная динамичность развития; монументальная кульминация.

ЭТЮД

Посмотреть всю оперу целиком

КРАТКОЕ СОДЕРЖАНИЕ ОПЕРЫ “РУСЛАН И ЛЮДМИЛА”»

На свадебном пиру Руслана и Людмилы происходит странная вещь, внезапно появляются два чудовища и уносят невесту, оставив всех гостей стоять в немом оцепенении. Безутешному отцу ничего не остается, как пообещать тому, кто отыщет Людмилу, отдать ее в законные супруги. На поиски отправляются три витязя: Руслан, Ратмир и Фарлаф.

Молодых и отважных воинов ждет много недоброжелателей и помощников на пути. Так, Руслан благодаря волшебнику Финну узнает, кто же похитил его возлюбленную, им оказался злой Черномор. Таинственный доброжелатель сообщает Руслану, что Людмила по-прежнему любит его и очень ждет, когда он вызволит ее из плена чародея.

Не все витязи оказались на деле такими отважными, как Руслан. Фарлаф, несмотря на свой красивый басовый голос, на деле всего лишь обычный трус, который уже готов и вовсе отказаться от поисков. Ему на пути попадается волшебница Наина, желающая оказать помощь, и не допустить победы Руслана.

Следующий сказочный персонаж, попадающийся на пути главного героя – это громадная Голова, оказавшийся братом Черномора. Он передаёт отважному воину меч, с помощью которого можно победить злодея.

Тем временем коварная волшебница Наина времени зря не теряла и хитростью заманила путников к себе в замок с помощью прекрасный дев и видений. Только благодаря помощи Финна им удается избежать погибели и разрушить колдовские чары. В смертельном поединке Руслана и Черномора, благодаря волшебному мечу, витязь одерживает победу и казалось бы, вот она победа! Но, коварный злодей заколдовал Людмилу и девушка спит непробудным сном.

Руслан отправился вместе с ней и своими преданными друзьями в Киев. Но на поиски Людмилы отправлялся еще один трусливый воин, не забыли? Фарлаф дождался когда свита остановится на ночлег и выкрал девушку, поспешив скорее отправиться в Киев и получить долгожданную награду. Вот только расколдовать Людмилу под силу только Руслану, ведь у него есть волшебный перстень, врученный добрым Финном. Появившись по дворце, отважный воин разрушает чары Черномора, и все гости ликуют, прославляя отважного Руслана и его прелестную невесту Людмилу.

ИСТОРИЯ СОЗДАНИЯ

«Первую мысль о Руслане и Людмиле подал мне наш известный комик Шаховский…¹ На одном из вечеров Жуковского Пушкин, говоря о поэме своей «Руслан и Людмила», сказал, что он бы многое переделал; я желал узнать от него, какие именно переделки он предполагал сделать, но преждевременная кончина его не допустила меня исполнить это намерение». Так описывает Глинка зарождение замысла оперы «Руслан и Людмила». Композитор начал работать над оперой в 1837 году, не имея еще готового либретто (литературный текст оперы). Из-за смерти Пушкина он был вынужден обращаться к второстепенным поэтам и любителям из числа друзей и знакомых. Среди них были Н. В. Кукольник (1809—1868), В. Ф. Ширков (1805—1856), Н. А. Маркевич (1804—1860) и др.

В текст оперы вошли некоторые фрагменты поэмы, но в целом он написан заново. Глинка и его либреттисты внесли ряд изменений в состав действующих лиц. Исчезли одни персонажи (Рогдай), появились другие (Горислава); подверглись некоторой переделке и сюжетные линии поэмы.

Замысел оперы в значительной степени отличается от литературного первоисточника. Гениальной юношеской поэме Пушкина (1820), основанной на темах русского сказочного эпоса, присущи черты легкой иронии, шутливого отношения к героям. От такой трактовки сюжета Глинка решительно отказался. Он создал произведение эпического размаха, исполненное больших мыслей, широких жизненных обобщений.

В опере воспеваются героизм, благородство чувств, верность в любви, высмеивается трусость, осуждаются коварство, злоба и жестокость. Через все произведение композитор проводит мысль о победе света над тьмой, о торжестве жизни. Традиционный сказочный сюжет с подвигами, фантастикой, волшебными превращениями Глинка использовал для показа разнообразных характеров, сложных взаимоотношений между людьми, создав целую галерею человеческих типов. Среди них — рыцарски благородный и мужественный Руслан, нежная Людмила, вдохновенный Баян, пылкий Ратмир, верная Горислава, трусливый Фарлаф, добрый Финн, коварная Наина, жестокий Черномор.

Опера писалась Глинкой в течение пяти лет с большими перерывами: она была закончена в 1842 году. Премьера состоялась 27 ноября (9 декабря) того же года на сцене Большого театра в Петербурге.

МУЗЫКА

«Руслан и Людмила» — эпическая опера состоящая из 5 Актов. Монументальные образы Киевской Руси, легендарные фигуры великого князя Светозара, богатыря Руслана, вещего народного певца Баяна переносят слушателя в обстановку глубокой древности, рождают представление о красоте и величии народной жизни. Значительное место в опере занимают фантастические картины царства Черномора, замка Наины, музыка которых наделена восточным колоритом. Основной конфликт — столкновение сил добра и зла — отражен в музыке оперы благодаря рельефному противопоставлению музыкальных характеристик действующих лиц. Вокальные партии положительных героев, народные сцены насыщены песенностью. Отрицательные персонажи либо лишены вокальной характеристики (Черномор), либо обрисованы при помощи речитативного «говорка» (Наина). Эпический склад подчеркивается обилием хоровых массовых сцен и неторопливым, как в былинном повествовании, развитием действия.

Идея произведения — торжество светлых сил жизни — раскрывается уже в увертюре, в которой использована ликующая музыка финала оперы. В среднем разделе увертюры возникают таинственные, фантастические звучания.

Первый акт впечатляет широтой и монументальностью музыкального воплощения. Акт открывается интродукцией, включающей ряд номеров. Песня Баяна «Дела давно минувших дней», сопровождаемая переборами арф, имитирующих гусли, выдержана в мерном ритме, полна величественного спокойствия.

Лирический характер имеет вторая песня Баяна «Есть пустынный край». Интродукция завершается мощным заздравным хором «Светлому князю и здравье и слава».

Каватина Людмилы «Грустно мне, родитель дорогой» — развитая сцена с хором — отражает различные настроения девушки, шаловливо-грациозной, но способной и на большое искреннее чувство.

Хор «Лель таинственный, упоительный», воскрешает дух древних языческих песен.

Сцена похищения начинается резкими аккордами оркестра; музыка принимает фантастический, сумрачный колорит, который сохраняется и в каноне «Какое чудное мгновенье», передающем состояние оцепенения, охватившее всех.

Венчает акт квартет с хором «О витязи, скорей во чисто поле», полный мужественной решимости.

Второй акт, состоящий из трех картин, начинается симфоническим вступлением, рисующим суровый таинственный северный пейзаж, объятый настороженной тишиной.

В первой картине центральное место занимает баллада Финна; музыка ее создает благородный образ, исполненный глубокой человечности и нравственной красоты.

Вторая картина по своему характеру противоположна первой. Облик Наины очерчен колючими ритмами коротких оркестровых фраз, холодными инструментальными тембрами. Меткий комический портрет ликующего труса запечатлен в рондо Фарлафа «Близок уж час торжества моего».

В центре третьей картины великолепная по музыке ария Руслана; ее медленное вступление «О поле, поле, кто тебя усеял мертвыми костями» передает настроение глубокого, сосредоточенного раздумья; второй раздел, в быстром энергичном движении, наделен чертами героики.

Третий акт наиболее разнообразен по красочности, живописности музыки. Чередующиеся хоры, танцы, сольные номера рисуют обстановку волшебного замка Наины. Чарующе-обольстительно звучит гибкая, проникнутая сладостной истомой мелодия персидского хора «Ложится в поле мрак ночной».

Каватина Гориславы «Любви роскошная звезда» полна горячего, страстного чувства. Ярко выраженным восточным колоритом отмечена ария Ратмира «И жар и зной сменила ночи тень»: прихотливая мелодия медленного раздела и гибкий вальсообразный ритм быстрого обрисовывают пылкую натуру хазарского витязя.

Четвертый акт отличается пышной декоративностью, яркостью неожиданных контрастов. Ария Людмилы «Ах ты доля, долюшка» — развернутая монологическая сцена; глубокая печаль переходит в решимость, негодование и протест.

Марш Черномора рисует картину причудливого шествия; угловатая мелодия, пронзительные звуки труб, мерцающие звучания колокольчиков создают гротескный образ злого чародея.

За маршем следуют восточные танцы: турецкий — плавный и томный, арабский — подвижный и мужественный; танцевальную сюиту заключает огненная, вихревая лезгинка.

В пятом акте две картины. В центре первой — проникнутый негой и страстью романс Ратмира «Она мне жизнь, она мне радость».

Вторая картина — финал оперы. Суровый, горестный хор «Ах ты, свет-Людмила» близок народным плачам-причитаниям.

Печалью окрашен и второй ход «Не проснется птичка утром», прерываемый скорбными репликами Светозара. Музыка сцены пробуждения овеяна утренней свежестью, поэзией расцветающей жизни; мелодию, полную живого, трепетного чувства, («Радость, счастье ясное»), запевает Руслан; к нему присоединяется Людмила, а затем остальные участники и хор. Заключительный хор («Слава великим богам») звучит ликующе, светло и жизнерадостно (музыка увертюры).

Глинка создал два типа русской классической оперы: героическую народную музыкальную драму и народную сказочно-эпическую оперу. Оба эти типа получили широкое развитие в творчестве русских композиторов.

Традиция, идущая от «Ивана Сусанина», была продолжена в операх «Юдифь» Серова, «Борис Годунов» Мусоргского, «Псковитянка» Римского-Корсакова. Драматические элементы, содержащиеся в этой опере Глинки, оказали определенное воздействие и на таких композиторов, как Даргомыжский и Чайковский.

От «Руслана и Людмилы» ведет прямая линия к легендарно-сказочным операм Римского-Корсакова, особенно к «Садко» и «Сказанию о невидимом граде Китеже». Принципы эпической музыкальной драматургии, разработанные Глинкой, оказали сильнейшее влияние и на Бородина, посвятившего свою оперу «Князь Игорь» памяти автора «Руслана и Людмилы». Эти же принципы легли в основу его симфоний, ставших первыми образцами нового типа симфонизма – эпического.

¹ А. А. Шаховский (1777—1846) — драматург, автор многих водевилей и комедий.

² Вторая песня Баяна, непосредственно не связанная с сюжетом, является своего рода музыкальным посвящением Пушкину.

Интересные факты об этом произведении можно прочитать на этой странице.

Биография композитора

Михаил Глинка – краткая биография Глинка Михаил Иванович (1804—1857), композитор. Родился 1 июня 1804 г. в селе Новоспасском Смоленской губернии в семье помещика. В 1818 г. поступил в Благородный пансион при Петербургском педагогическом институте, который закончил в 1822 г. В пансионе Глинка начал сочинять музыку и стал популярен как автор замечательных романсов. Всего им написано 80 произведений для голоса и фортепиано, среди которых шедевры вокальной лирики: элегии «Не искушай», «Сомнение», цикл «Прощание с Петербургом» и другие. После окончания пансиона Глинка поступил в Главное управление путей сообщения, но вскоре оставил службу, чтобы всецело посвятить себя музыке.

В 1830—1834 гг. он предпринял большое путешествие по Италии, Австрии и Германии, знакомясь с европейскими музыкальными традициями и совершенствуя своё композиторское мастерство. По возвращении приступил к осуществлению своей заветной мечты — написать русскую оперу. Сюжет был подсказан В. А. Жуковским — подвиг Ивана Сусанина. Уже в 1836 г. в Петербурге состоялась премьера оперы «Жизнь за царя». После успеха Глинка принялся за вторую оперу, на этот раз на пушкинский сюжет. Работа шла, правда с перерывами, около шести лет. В 1842 г. состоялась премьера «Руслана и Людмилы», ставшей первой сказочно-эпической оперой в истории русской музыки.

Творчество Глинки высоко ценилось музыкантами — его современниками. Так, Ф. Лист переложил для фортепиано «Марш Черномора» из «Руслана и Людмилы» и очень часто исполнял его в своих концертах.

В 1844—1847 гг. Глинка путешествовал по Франции и Испании. Образы Испании нашли своё отражение в увертюрах «Арагонская хота» (1845 г.) и «Ночь в Мадриде» (1851 г.). Не менее красочно воплотил композитор в симфонической музыке и образ родной страны. Находясь в Варшаве, он написал оркестровую фантазию «Камаринская» (1848 г.) на тему двух русских народных песен. Об этом сочинении П. И. Чайковский сказал, что в нём, «как дуб в жёлуде, заключена вся русская симфоническая музыка».

В 1856 г. Михаил Иванович поехал в Берлин изучать полифонию старых мастеров, чтобы воскресить в своём творчестве древнерусские знаменные церковные напевы. Реализовать замысел не удалось: 15 февраля 1857 г. Глинка скончался.
Источник: https://citaty.su/kratkaya-biografiya-mixaila-glinki

Факты из жизни

1. Родиной великого русского композитора является небольшое село Новоспасское в Смоленской губернии. Большое семейство Глинки проживало там с того самого времени, как их прадед – польский дворянин принял присягу на верность русскому царю и продолжил служить в армии России.
2. Сразу после войны двенадцатого года Михаил был собран и отправлен на учебу в Петербург. Там он познакомился с такими выдающимися людьми, как Александр Пушкин, Евгений Баратынский, Василий Жуковский, Вильгельм Кюхельбекер, Владимир Одоевский. С последним у Глинки сложились особенно близкие дружественные отношения
3. Родители композитора доводились друг другу дальними родственниками – троюродными братом и сестрой. Для того, чтобы венчание состоялось, отцу Михаила, Ивану Николаевичу пришлось обращаться за одобрением к архиерею.
4. Тогда же будущий композитор окончательно убедился в том, что музыка – это не просто интерес, страсть, некая забава, а его жизнь и призвание. Он берет приватные уроки у известных музыкантов того времени, и буквально через некоторое время его первые романсы на стихи Пушкина и Баратынского становятся известными в светских кругах. Сам же Глинка был недоволен своими успехами. Он не признавал свой талант.
5. В 1835 году Глинка со своей молодой женой отправляется в родное имение, где он и приступает к работе над будущей оперой «Жизнь за царя».
6. Проходит год и он отправляет партитуру на проверку и разбор к Александру Гедеонову – директору императорских театров. Последнему она категорически не нравится, и он отдает её капельмейстеру Кавосу, зная, что он готовит свою оперу на схожую патриотическую тему. Но Кавос поступает честно и великодушно: он хвалебно отзывается о произведении молодого композитора и снимает с репертуара театра свою работу. Только директор так и не заплатил Михаилу Ивановичу заслуженный гонорар.
7. Вот еще один замечательный факт из жизни композитора. Премьера оперы «Жизнь за царя» прошла с невероятным успехом. Сам композитор еще долго не мог поверить в успех «предприятия».Но события говорили сами за себя: его лично хвалил сам император, а музыкальные и театральные критики отнесли произведение к лучшему образцу национальной героико-патриотической эпопеи.
8. В день премьеры не обошлось без скандала. Во время представления один из посетителей публично заявил, что такая музыка достойна лишь кучеров. К счастью, никто не обратил особого внимания на этот выпад. А сам композитор согласился с мнением «публики», отметив, что многие кучера умнее и практичнее некоторых господ.

Источник: https://obrazovaka.ru/essay/glinka/interesnye-fakty-iz-zhizni

История создания оперы “Иван Сусанин”

Опера М.И. Глинки “Иван Сусанин” – героическая народная музыкальная драма. Это первая русская национальная опера. 

Сюжетом для создания оперы послужило предание о героическом подвиге костромского крестьянина Ивана Сусанина во время оккупации России польскими захватчиками. Действие оперы происходит осенью 1612 – весной 1613 года. Поляков уже изгнали из Москвы, но отдельные их отряды еще бродили по стране. Один из таких отрядов забрел в село Домнино Костромской губернии, где жил Иван Сусанин. Он согласился стать проводником, но завёл отряд в непроходимые болота и сам погиб там. 

Подвиг Сусанина вдохновил поэта-декабриста К. Рылеева, написавшего думу “Иван Сусанин”. Вдохновил он и композитора М.И. Глинку, который давно искал сюжет для оперы. И вот однажды на вечере у В.А. Жуковского, когда Глинка поделился своими планами о написании героической оперы, тот предложил ему сюжет об Иване Сусанине. Известно, что Жуковского давно волновала личность этого героического крестьянина, пожертвовавшего жизнью ради освобождения страны от иноземных захватчиков. К тому же Жуковский, являясь воспитателем наследника престола Александра Николаевича (в будущем – императора Александра II), знал о желании императора увидеть на сцене русскую национальную оперу. Но Жуковский не стал писать либретто, как обещал. Глинке пришлось обратиться к услугам барона Е.Розена (на сценах советских театров опера шла с новым текстом С. Городецкого). Глинку увлекла идея оперы, тем более, что он знал о подвиге Ивана Сусанина, и эта тема его волновала.

Премьерная постановка состоялась в Петербурге 27 ноября 1836 года. Успех , по словам автора, был “самый блистательный”; ему в большой степени способствовали выдающиеся оперные певцы О.Петров и А. Петрова- Воробьева – исполнители главных партий Сусанина и Вани. Тем не менее часть аристократической публики презрительно называла музыку оперы “мужицкой”, “кучерской”, на что композитор остроумно заметил в своих “Записках”: это хорошо и даже верно, ибо кучера, по-моему, дельнее господ”

Опера несколько раз меняла свое название: сначала сам композитор назвал ее «Иван Сусанин». Но опера с таким названием уже была у известного в то время музыканта Катарино Кавоса, поэтому на завершающем этапе работы Глинка переименовал ее в «Смерть за царя». Композитор хотел посвятить ее императору Николаю I, и тот благосклонно принял посвящение, но предложил свой вариант названия: «Жизнь за царя»

По этой ссылке оперу “Иван Сусанин” (“Жизнь за царя”) можно посмотреть полностью.

Действующие лица:

ИВАН СУСАНИН, крестьянин села Домнина (бас)
АНТОНИДА, его дочь (сопрано)
ВАНЯ, его приемный сын (контральто)
БОГДАН СОБИНИН, ратник, жених Антониды (тенор)
НАЧАЛЬНИК ПОЛЬСКОГО ОТРЯДА (бас)
ВЕСТНИК (тенор)
НАЧАЛЬНИК РУССКОГО ОТРЯДА (бас)

КРЕСТЬЯНЕ И КРЕСТЬЯНКИ, ОПОЛЧЕНЦЫ, ПОЛЬСКИЕ ПАНЫ И ПАНЕНКИ, РЫЦАРИ.

Опера состоит из четырех действий и эпилога. Действие происходит осенью 1612 и зимой 1613 годов.1-й акт — в селе Домнино, 2-й — в Польше, 3-й — в избе Сусанина, 4-й — в лесах, эпилог — в Москве на Красной площади.

Зимой 1613 года уже наречённый Земским собором царь Михаил Романов и его мать, инокиня Марфа, жили в костромской вотчине, в селе Домнино. Зная об этом, польско-литовский отряд ищет дорогу к селу, чтобы захватить юного Романова. Недалеко от Домнина они встретили вотчинного старосту Ивана Сусанина и приказали показать дорогу. Сусанин согласился, но повел недругов в болото, к селу Исупову, а в Домнино послал своего зятя Богдана Сабинина с известием о грозящей опасности. За отказ указать верный путь Сусанин оказался подвергнут смертельным пыткам, но места убежища царя не выдал.

Первое действие – характеристика русского народа и основных героев произведения. Оно начинается из обширной хоровой интродукции.( Интродукция – введение. В опере это вокальный ансамбль, хор или оркестровый фрагмент, предваряющий действие.) В интродукции звучит хор “Родина моя”, в котором воплощена непреклонная воля русского народа к победе.

I действие : На сцене разворачивается картина мирной жизни поселян и семьи Сусанина. Крестьяне села Домнино радостно встречают ополченцев. Грустит лишь Антонида. Она ждет возвращения своего жениха — Богдана Собинина, который с дружиной ушел громить польскую шляхту. Каватина Антониды “Ах ты, поле, поле ты мое” полна искренности и нежности, а изящное, оживленное Рондо раскрывает светлый, радостный мир девичьих мечтаний: “Что ни утро, что ни вечер, жду я с милым другом встречи”.

Сусанину понятны чувства дочери, но он хочет подготовить ее к испытаниям, которые несет тяжкая година. Не время сейчас думать о свадьбе. Внезапно с реки доносится песня. Это возвращается Собинин с дружиной. Он принес радостную весть: Минин и Пожарский возглавили русское войско, и со всех концов к ним стекается ратный люд. Крестьяне ликуют: близок час освобождения. Решение Сусанина отложить свадьбу огорчает Собинина: ведь для свадьбы он вернулся в родное село. Сначала Сусанин непреклонен, но, узнав, что враги осаждены в Москве, дает согласие.

II действие: Здесь раскрывается обобщенный образ польских завоевателей, предвкушающих победу. Бал в старинном польском замке короля Сигизмунда III показан танцевальной музыкой. Четыре танца, следующие один за другим – блестящий польский Полонез, Краковяк, Вальс и Мазурка – образуют своего рода симфоническую сюиту из одних только польских (не считая вальс) танцев. Открывается действие блестящим Полонезом:

В сюжетно-драматическом развитии оперы сцена бала имеет большое значение. В музыке национальных танцев Глинка нашел много ярких и образных штрихов, метко характеризирующих польскую шляхту- гордую и надменную. Ритмически рельефные мелодии полонеза и мазурки в дальнейшем всюду сопровождают появление поляков.

Внезапно танцы прерываются появлением гонца. Он сообщает о разгроме наемных войск и осаде польского отряда в Москве. Шляхта в смятении. Рыцари собираются в бой, хвастливо бряцая оружием, клянутся покорить «ненавистных смердов».

III действие: В доме Сусанина готовятся к свадьбе Антониды и Собинина. Приемный сын Сусанина Ваня мечтает идти вместе с Собининым против поляков. Вошедшие крестьяне поздравляют жениха и невесту, Сусанин приглашает их на свадьбу. Вдруг слышится конский топот. Дверь распахивается, и в избу входят поляки. Им нужен проводник, чтобы пройти к Москве. Напрасно враги уговаривают Сусанина — он не станет предателем. Тогда поляки предлагают Сусанину золото. Неожиданно Сусанин соглашается: его осеняет мысль завести поляков в непроходимую лесную чащу. Тайком от врагов он посылает Ваню предупредить Минина об опасности и уходит с поляками. Узнав о случившемся, Собинин с дружиной устремляется в погоню за врагами.

Песня Вани “Как мать убили” открывает третье действие и служит музыкальной характеристикой мальчика-сироты. Ваня выражает благодарность названому отцу. Песня Вани близка к русским народным песням.

Свадебный хор девушек-подружек “Разгулялися, разливалися воды вешние по лугам”. Хор изложен в своеобразном пятидольном размере, типичном для русских песен; в нем много бесполутоновых мелодических оборотов.

Песня – романс Антониды  “Не о том скорблю, подруженьки” – одна из самых поэтичных страниц оперы. Мелодия ее выразительна и задушевна. В ней слышатся трогательные интонации народных причитаний. Песня-романс раскрывает всю глубину горя Антониды и тем самым с новой стороны показывает богатство ее душевного мира.

IV действие:   Глухим, непроходимым лесом бредут усталые, замерзшие поляки. Враги подозревают, что Сусанин сбился с пути. Наконец отряд останавливается на привал, поляки засыпают. Не спит Сусанин. Он знает, что его ждет смерть: поляки чуют правду. Тяжело умирать, но свой долг он выполнил. Звучит речитатив и ария Сусанина – один из наиболее напряженных, драматических эпизодов оперы. Именно в это арии до конца раскрывается образ Сусанина – героя и патриота. Ария начинается полным душевного волнения напевным речитативом “Чую правду”. Музыка эта – образец выразительной песенной декламации Глинки. Интонации Сусанина по прежнему неторопливы, величавы и мужественны. Следующая за речитативом Ария “Ты взойдешь моя звезда” проникнута скорбным настроением. Сусанин предчувствует скорую гибель и вспоминает своих детей, мысленно прощаясь с ними и готовится к смерти. Музыка арии строга и очень сдержанна. Мелодия проста, выразительна и напевна.

Поднимается метель. Светлеет. Проснувшиеся поляки с ужасом убеждаются, что им не выбраться из глухих лесных дебрей. Сусанин, торжествуя, открывает панам страшную правду. Взбешенные поляки убивают его.

Эпилог:  В Москве, на Красной площади, народ приветствует русские войска. Здесь же Ваня, Антонида и Собинин. Народ празднует освобождение и славит героев, отдавших жизнь за победу над врагом. Заключительный хор “Славься!”, написанный в духе победного народного канта, музыка хора величава и торжественна, и это придает ей черты гимна. Сам Глинка назвал этот хор гимном-маршем.

Опера “Иван Сусанин” – произведение реалистическое, правдиво и искренне повествующее об исторических событиях. Музыка опера глубоко национальна, песенна. Опера обрамлена большими народными сценами – интродукцией и эпилогом. Это подчеркивает то, что действующим лицом оперы является народ. В хоровых сценах отражены переживания русских людей, дана разносторонняя характеристика народа, раскрыты его героизм, стойкость, величие и сердечная отзывчивость.

Творчество Михаила Ивановича Глинки (1804 – 1857) – свидетельство могучего подъёма национальной культуры. В истории русской музыки, Глинка, подобно Пушкину в литературе, выступил как зачинатель нового исторического периода: его произведения определили общенациональное и мировое значение русской музыкальной культуры. Творчество Глинки глубоко национально: оно выросло на почве русской народной песенности, впитало традиции древне – русского хорового искусства, по-новому в нём претворились достижения русской композиторской школы 18 – начала 19 вв. Родоначальник русской музыкальной классики, Глинка определил новое понимание народности в музыке.

Домашнее задание  

Приготовиться к тесту по теме “Опера М.И. Глинки “Иван Сусанин”.

Примерный перечень музыкальных номеров на викторину:

Хоровая интродукция, I действие
Полонез, мазурка из II действия

Песня Вани и Романс Антониды, III действие
Ария Сусанина, IV действие
Хор “Славься”, эпилог

История оперы

Сам жанр возник относительно недавно, всего каких-то пять веков назад, в Италии на рубеже XVI-XVII вв. Прообразами ее послужили театрализованные мистерии, но в них музыка была лишь фоном, а также большую роль сыграло распространение сольных номеров с инструментальным сопровождением. Интересно, что термин «опера» был введен позднее, чем само произведение. Так, композиторы, сочинившие первые произведения в этом жанре на рубеже XVI-XVII веков наименовали их «drama per musica» (драма на музыке). Их возникновение было обусловлено попыткой возродить древнегреческую трагедию. Так, первые образцы нового жанра того времени – это «Дафна» (1597) и Эфридика (1600) Я. Пери. Однако, оперный стиль этих произведений был еще далек от классического образца.

 В 1607 году в Мантуе К. Монтеверди ставит свою оперу «Эвридика», которая уже отличается драматизмом, богатой палитрой выразительности. В 1639 году для обозначения таких композиций впервые применяется термин «опера» (труд, дело).

Развитие оперного жанра

С момента зарождения, опера совершенствовалась и подвергалась всевозможным изменениям буквально каждое столетие. Так, венецианская школа, в лице Ф. Кавалли, М. Чести, Дж. Легренци начинает усиливать роль мелодического начала в этом жанре, а также установливает вокальные формы. Эту тенденцию успешно продолжают композиторы неаполитанской школы начала XVIII века (А. Скарлатти, Н. Порпора, Л. Лео, Ф. Провенцале). Именно в это время устанавливается форма арии, а также происходит разделение вокальных номеров и речитатива.

Итал. opera seria — серьёзная опера – Жанр итальянской оперы, сложившийся в конце 17—18 вв. в творчестве композиторов неаполитанской оперной школы.

Настоящий реформатор в этом жанре К. Глюк, в своих произведениях («Орфей и Эвридика», «Альцеста», «Ифигения в Тавриде» он собрал достижения итальянской оперы и французской трагедии.

Подлинной вершиной в развитии жанра принято считать творчество В. Моцарта. Именно в его творчестве опера расцвела, она вобрала в себя все достижения предшествующих эпох и национальных школ. Он создал яркие выразительные театральные образы со своими характерами и эмоциями, воплотил все сложности конфликтов, взаимоотношений и интриг. Так, «Свадьба Фигаро» написана в стиле итальянской оперы-буффа, «Дон Жуан» это соединение комедии с высокой трагедией.

Опера-буффа  (итал. opera buffa – комич. опера) – итал. разновидность комической оперы, сложившаяся в 30-е гг.

Посмотри фрагмент оперы-буффа “Свадьба Фигаро” В.А. Моцарта

Мистерия (от лат. ministerium «церемония») — один из жанров европейского средневекового театра, связанный с религией. Сюжет мистерии обычно брался из Библии или Евангелия и перемежался различными бытовыми комическими сценками. Мистерия – жанр в высшей степени противоречивый; в нем совмещаются и борются такие противоположные начала, как мистика и реализм, набожность и богохульство, проявление подлинной самодеятельности и официальная подчиненность мистерии церкви и городским властям.

Оперетта (итал. operetta — уменьшительное от «опера») — музыкально-театральный жанр, сценическое произведение и представление, основанное на синтезе слова, сценического действия, музыки и хореографии. Оперетта разнообразна по форме и содержанию. Существуют пародийные, пародийно-сатирические, лирико-комедийные, лирико-романтические, героико-романтические оперетты и так называемые мелодраммы-буфф, чаще всего со счастливым финалом. Для оперетты характерны любовная интрига, юмор и сатирическая направленность. 

Монодрама в театре — драматическое произведение, разыгрываемое с начала до конца одним актером (или актрисой). К монодраме относится: пьеса-монолог, драматические миниатюры, построенные в форме разговора с безмолвным персонажем. Также монодрамой называют драматическое произведение с двумя и несколькими действующими лицами, роли которых исполняет один актёр.

Моноопера — опера для одного солиста. Редкий пример в музыке XVIII века — небольшая моноопера «Капельмейстер» Доменико Чимарозы. Также в XVIII веке в Европе также были распространены музыкально-театральные произведения для одного актёра (или двух актёров), сопровождаемые музыкой, — они именовались словом «мелодрама» («Пигмалион» Ж. Ж. Руссо — представляет собой лирический монолог главного героя). 

Мелодрама (от др.-греч. μέλος — песня, поэма, лирическое произведение + δρᾶμα — действие) — жанр художественной литературы, театрального искусства и кинематографа, произведения которого раскрывают духовный и чувственный мир героев в особенно ярких эмоциональных обстоятельствах на основе контрастов: добро и зло, любовь и ненависть и т. п. Также сопровождается трагическими сценами, в большинстве случаев заканчивается хэппи-эндом.

Трагедия (от нем. Tragödie из лат. tragoedia от др.-греч. τραγωδία) — жанр художественного произведения, предназначенный для постановки на сцене, в котором сюжет приводит персонажей к катастрофическому исходу. Трагедия отмечена суровой серьёзностью, изображает действительность наиболее заостренно, вскрывает глубочайшие конфликты реальности в предельно напряжённой и насыщенной форме. 

 Комедия (др.-греч. κωμ-ῳδία, от κῶμος — «праздник в честь Диониса») — жанр художественного произведения, характеризующийся юмористическим или сатирическим подходом, и также вид драмы, в котором специфически разрешается момент действенного конфликта или борьбы антагонистических персонажей. К числу видов комедии относятся такие жанры, как фарс, водевиль, интермедия, скетч, оперетта, пародия.

Мюзикл (англ. Musical) от «musical comedy» — музыкальная комедия) — музыкально-театральный сценический жанр, произведение и представление, сочетающее в себе музыкальное, драматическое, хореографическое и оперное искусства. В мюзикле переплетаются: диалоги, песни, музыка и шоу, важную роль играет хореография. Хореография мюзикла отличается от балетных и салонных танцев оперетты.

Посмотри фрагмент мюзикла “Кошки” композитора Эндрю Уэббера.

Водевиль (фр. vaudeville) — комедийная пьеса с песенками-куплетами и танцами, а также жанр драматического искусства. Название появилось в XVII веке как контаминация двух песенных жанров. Лучшим произведениям в этом жанре присущи задорное веселье, злободневное отображение действительности. 

Строение оперы: вокальные номера, оркестровые номера

Оперное произведение делится на:  акты (действия)- картины – сцены – номера. Перед актами бывает пролог, в конце оперы — эпилог.

Части оперного произведения  — речитативы, ариозо, песни, арии, дуэты, трио, квартеты, ансамбли и т. д.

Из симфонических форм — увертюра, интродукция, антракты, пантомима, мелодрама, шествия, балетная музыка.

Характеры героев наиболее полно раскрываются в  вокальных сольных номерах  (ария, ариозо, ариетта, каватина, монолог, баллада, песня). Различные функции в опере имеет  речитатив— музыкально-интонационное и ритмическое воспроизведение человеческой речи. Нередко он связывает (сюжетно и в музыкальном отношении) отдельные законченные номера; часто является действенным фактором музыкальной драматургии. В некоторых жанрах оперы, преимущественно комедийных, вместо речитатива используется  разговорная речь, обычно — в диалогах.

Сценическому диалогу, сцене драматического спектакля в опере соответствует  музыкальный ансамбль  (дуэт, трио, квартет, квинтет и т. д.), специфика которого даёт возможность создавать конфликтные ситуации, показывать не только развитие действия, но и столкновение характеров, идей. Поэтому ансамбли зачастую появляются в кульминационных или заключительных моментах оперного действия.

Хор в опере трактуется по-разному. Он может быть фоном, не связанным с основной сюжетной линией; иногда своеобразным комментатором происходящего; его художественные возможности позволяют показать монументальные картины народной жизни, выявить взаимоотношения героя и масс.

В музыкальной драматургии оперы большая роль отведена  оркестру, симфонические средства выразительности служат более полному раскрытию образов. Опера включает также самостоятельные оркестровые эпизоды —  увертюру,  антракт  (вступление к отдельным актам). Ещё один компонент оперного спектакля —  балет, хореографические сцены, где пластические образы сочетаются с музыкальными.

Театр – это прекрасный способ совершенствования собственного внутреннего мира. Он является отражением нашей реальности, а потому лучшим образом помогает взглянуть на собственное “я” со стороны, отыскав его во всем многообразии образов и явлений. Сделать это можно только путем глубокого познания сути сценического мастерства, постичь азы которого поможет .

Первым шагом на пути к открытию себя считается знакомство с жанрами и видами театрального искусства. Ниже мы расскажем об особенностях и различиях наиболее популярных жанров, с большей частью которых мы познакомимся на наших уроках.

Виды театрального искусства

• Водевиль. Является разновидностью легкой пьесы комедийного характера. Родина данного жанра – Нормандия. В водевиле используют легкие, сатирические куплеты, в которых высмеивают мелкие человеческие пороки: жадность, недоброжелательность и так далее. Поскольку в данном жанре недопустима грубость и напористость, все действия носят подчеркнуто мягкий характер.
• Буффонада. Это спектакль комического, карикатурного характера, в котором главными героями обязательно должны быть несколько Арлекино. В основу действий буффонады положены народные приемы, поэтому действо спектакля всегда происходит на площади. Высмеивание человеческих недостатков осуществляется за счет постоянного преувеличения негативных сторон.
• Комедия. Это жанр, который достаточно часто использует , и который всегда нравится зрителям. Комедии носят легкий характер, а основной целью действа является ответная улыбка зрителя. В комедийных спектаклях высмеивают отрицательные черты характера и привычки, а также курьезные жизненные ситуации.
• Драма. Является промежуточным звеном между трагедией и комедией. В драматических спектаклях освещаются всевозможные конфликты личности с окружающим ее миром или с собственным “я”. Из-за серьезности содержания, более сложного устройства характеров персонажей и более запутанной сюжетной линии драматические спектакли являются одним из любимых жанров зрителя и режиссера.
• Мелодрама. Это пьеса, направленная на раскрытие чувственного мира героя. В спектакле обязательно присутствует острая интрига, раскрытие которой обычно происходит ближе к концу истории.
• Трагедия. В основе спектаклей данного жанра лежит катастрофический исход, причиной которого является то, что главный герой идет против собственного мира, обрушая привычные устои и правила. Борьба длится на протяжении всего спектакля, а в конце драмы герой погибает. Большая часть трагедий написана в стихах, в которых реальность отображена в особо суровых красках.
• Мюзикл. Весьма сложный и дорогостоящий для постановки жанр. Спектакль строится на отточенности актерского мастерства. Актеры стремятся донести до зрителя основную идею, используя хореографию, песни и диалоги.

Выше перечислены лишь часть жанров, которые может использовать для постановки спектаклей и обучения воспитанников. Постигнув основу каждого из перечисленных видов, Вы сможете взглянуть на мир другими глазами, дав объективную оценку всему происходящему вокруг Вас не только как основной участник событий, но и как сторонний наблюдатель.

Первые театральные постановки ставили когда-то прямо на улице. В основном, представления устраивали бродячие артисты. Они могли петь, танцевать, надевали различные костюмы, изображая зверей. Каждый делал то, что у него получалось лучше всего. Новый вид искусства постепенно развивался, актеры совершенствовали свое мастерство.

Первый театр в мире

Слово «театр» в переводе с греческого означает место для проведения зрелищ и само зрелище. Первое подобное культурное заведение, предположительно, возникло в Греции. Произошло это в V-IV веках до н. э. Эта эпоха получила название «классической». Для характерны гармония и баланс во всех элементах и составляющих. Древнегреческий театр появился благодаря поклонению различным богам.

Театр Диониса – это самое старое театральное сооружение. Бог виноделия, растительности и природы высоко почитался древними греками. Дионису посвящали культовые обряды, которые постепенно переросли в настоящие трагедии и комедии. Ритуальные празднества превратились в настоящие театральные действа. Театр был построен в V в. до н. э. и был деревянным. Сооружение представляло собой пространство под открытым небом. Зрители изначально располагались на деревянных местах. настолько почиталось в Древней Греции, что неимущим гражданам власти давали деньги на спектакли. Запрещено было смотреть постановки замужним женщинам.

Первый храм искусств имел три основные части:

• орхестру – на ней выступали танцоры и хор;
• зрительный зал – располагался вокруг орхестры;
• здание скены, где располагались комнаты для артистов.

Занавеса и привычной сцены не было, а все женские роли играли мужчины. Актеры за один спектакль несколько раз меняли роль, поэтому должны были отменно танцевать и петь. Облик актеров меняли при помощи масок. Рядом с сооружением находился храм Диониса.

Античный театр заложил основы и сущность современного. Самым близким по жанру можно назвать театр драмы. Со временем появлялось все больше различных жанров.

Театральные жанры

Театральные жанры в современном мире так разнообразны. Это искусство синтезирует в себе литературу, музыку, хореографию, вокал, изобразительное искусство. Они выражают различные эмоции и ситуации. Человечество постоянно развивается. В связи с этим появляются разнообразные жанры. Они зависят от страны, в которой зарождаются, от культурного развития населения, от настроения зрителей и их запросов.

Перечислим некоторые виды театральных жанров: драма, комедия, монодрама, водевиль, феерия, пародия, мим, фарс, моралите, пастораль, мюзикл, трагикомедия, мелодрама и другие.

Жанры театрального искусства не могут конкурировать между собой. Они интересны каждый по-своему. Зрители, которые любят театр оперы, с не меньшим удовольствием посещают театр комедии.

Самые популярные виды театральных жанров – это драма, комедия, трагикомедия, мюзикл, пародия и водевиль.

Разновидности

Виды театров напрямую связаны с жанрами, которые представлены в них. Хотя они выражают не столько жанр, сколько форму актерской игры. Перечислим некоторые из них:

• оперный;
• драматический;
• детский;
• авторский;
• театр одного актера;
• театр света;
• музыкальной комедии;
• театр сатиры;
• театр поэзии;
• театр танца;
• эстрадный;
• театр роботов;
• балетный;
• театр зверей;
• театр инвалидов;
• крепостной;
• театр теней;
• театр пантомимы;
• театр песни;
• уличный.

Театр оперы и балета

Опера и балет появились в Италии в эпоху Ренессанса. Первый появился в Венеции в 1637 году. Балет сформировался как отдельный театральный жанр во Франции, преобразовавшись из танцев при дворах. Очень часто эти виды театров объединяют в одном месте.

Опера и балет проходят в сопровождении симфонического оркестра. Музыка становится неотъемлемой частью этих постановок. Она передает настроение, атмосферу всего происходящего на сцене и подчеркивает выступления актеров. Оперные певцы работают голосом и эмоциями, а артисты балета передают все посредством движения. Театры оперы и балета – это всегда красивейшие театральные заведения. Их располагают в богатейших городских зданиях с уникальной архитектурой. Роскошная обстановка, красивый занавес, большие оркестровые ямы – так выглядит это изнутри.

Драматический театр

Здесь главное место отводится актерам и режиссеру. Именно они создают характеры персонажей, перевоплощаясь в необходимые образы. Режиссер передает свое видение и руководит коллективом. Театр драмы называют театром «переживаний». К. С. Станиславский писал свои работы, изучая работу драматических актеров. В ставят не только спектакли – пьесы со сложными сюжетами. Театр драмы включает в свой репертуар комедии, мюзиклы и другие музыкальные спектакли. Все постановки основываются только на драматической литературе.

Театр на любой вкус

Музыкальный театр – место, где можно посмотреть любое из театральных действий. В нем ставят оперы, комедии, оперетты, мюзиклы и все те представления, в которых есть много музыки. Здесь работают и балета, музыканты и актеры. Музыкальный театр объединяет в себе театр оперы, балета, театр оперетты. Любой вид театрального искусства, связанный с эстрадной или классической музыкой, может найти своих поклонников в этом театре.

Кукольный театр

Это особое место. Здесь окунаешься в мир детства и радости. Оформление здесь всегда красочное, привлекающее внимание самых маленьких зрителей. Театр кукол зачастую становится первым театром, в который попадают дети. И от того, какое впечатление он произведет на неискушенного зрителя, зависит будущее отношение малыша к театру. Разнообразие театральных действий строится на использовании кукол различного типа.

В последнее время актеры-кукловоды не прячутся за ширмами, а взаимодействуют с куклами на сцене. Эта идея принадлежит известному С. В. Образцову. Он надевал на руку перчаточную куклу по имени Тяпа и великолепно играл на сцене миниатюры, выступая в роли его отца.

Истоки этого вида театра находятся далеко в Древней Греции. Создавая куклы для обрядов, люди не знали, что это перерастет в настоящее искусство. Театр кукол – это не только приобщение к искусству, но и метод психологической коррекции для самых маленьких.

Театр комедии

Объединил в себе актеров, которые умеют петь и танцевать. Они должны легко вживаться в комедийные образы и не бояться быть смешными. Очень часто можно увидеть «Театры драмы и комедии», «Театры музыкальной комедии». Объединение нескольких жанров в одном театре не мешает сохранять его колорит. Репертуар может включать оперетты, сатирические комедии, мюзиклы, драмы, музыкальные постановки для детей. В театр комедии люди ходят с удовольствием. Зал всегда полный.

Эстрадный театр

ополнил виды театров относительно недавно. И сразу полюбился зрителю. Первый театр эстрады появился в середине прошлого столетия. Им стал театр в Ленинграде, который открыли в 1939 году. В 2002 году его назвали «Театр эстрады им. А. И. Райкина». Эстрадные артисты включают в себя современных певцов, танцоров, ведущих. Артисты эстрады – это звезды шоу-бизнеса, танцоры и шоумены, как их теперь называют.

В театрах эстрады часто проводят сольные концерты, концерты, посвященные каким-либо памятным датам, играют постановки современных авторов. Здесь проводят концерты юмористы, ставят спектакли-комиксы, постановки на классические произведения. Подобные спектакли может предлагать музыкальный театр.

Театр сатиры

Очень любим зрителями! Со времени своего появления он отображал жизнь горожан, показывал все недостатки и высмеивал их. Актеров всегда знали в лицо, они прекрасно исполняли комические роли не только на сцене, но и в кино. Театры сатиры всегда были в первых рядах тех, кому запрещали ставить те или иные постановки. Это было связано с цензурой. Высмеивая отрицательные стороны поведения человека, нередко можно было переступить грань дозволенности. Запреты только привлекали ещё больше зрителей. Великолепные актеры театра сатиры, которые хорошо известны: А. А. Миронов, Ольга Аросева, Спартак Мишулин, Михаил Державин, Александр Ширвиндт. Благодаря этим людям театры сатиры стали любимы зрителями.

Со временем появляются виды театров, которые либо уже давно забыты, либо совершенно не похожи на что-либо существующее.

Новые веяния

Новые виды храмов искусств удивляют самого искушенного зрителя. Не так давно в Польше появился первый Театр роботов. В нем играют актеры-роботы, которые передают свои эмоции глазами и жестами. Постановки рассчитаны пока на детскую аудиторию, но руководители проекта намерены постоянно расширять репертуар.

Летом театральные постановки выходят на улицу. Это уже стало традицией. Многие фестивали проходили под открытым небом. Прямо возле театров сооружались небольшие сцены, на которых полноценно отыгрывали спектакль. Даже артисты оперы и балета уже выходят за рамки театра, чтобы привлечь как можно больше зрителей.

Информация – https://studbooks.net