Месяц: Ноябрь 2020

«Жизнь имеет только тогда прелесть, когда состоит из чередования радостей и горя, из борьбы добра со злом, из света и тени, словом – из разнообразия в единстве» П. И. Чайковский – великий русский композитор, критик,
педагог, дирижёр.
 Творчество П. И. Чайковского оказало огромное воздействие на развитие музыкальной культуры в России и за рубежом, повлияло на творчество таких ярких композиторов
как С. И. Танеев, А. К. Глазунов, В. С. Калинников, А. Н., Скрябин, С. В. Рахманинов.

Узнать больше о жизни и творчестве П.И. Чайковского можно по следующим видео

1. Начало 1840–1865 гг.
2. Москва. 1866–1878 гг.
3. Годы странствий 1878–1884
4. Годы мировой славы. 1885–1892 гг.
5. Последний 1893 год

ОСНОВНЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ

ОПЕРЫ
«Воевода» (1868) «Ундина» (1869) «Опричник» (1872)
«Кузнец Вакула» (1874), 2-я ред. — «Черевички» (1885)
«Евгений Онегин» (1878)
«Орлеанская дева» (1879)
«Мазепа» (1883)
«Чародейка» (1887)
«Пиковая дама» (1890)
«Иоланта» (1891

БАЛЕТЫ
«Лебединое озеро» (1876)
«Спящая красавица» (1889)
«Щелкунчик» (1892)

МУЗЫКА К ТЕАТРАЛЬНЫМ СПЕКТАКЛЯМ
«Снегурочка» (1873)

СИМФОНИЧЕСКИЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ
Первая симфония «Зимние грезы» (1866)
Вторая симфония (1872, ок. ред. — 1879)
Третья симфония (1875)
Четвертая симфония (1877)
«Манфред» (1885)
Пятая симфония (1888)
Шестая симфония — «Патетическая» (1893)

ООДНОЧАСТНЫЕ СИМФОНИЧЕСКИЕ ПРОИЗВЕДНИЯ
увертюры-фантазии «Ромео и Джульетта» (1869, 2-я ред. — 1870, 3-я ред. — 1880) «Гамлет» (1888); фантазии «Фатум» (1868) «Буря» (1873) «Франческа да Римини» (1876); увертюры «Гроза» (1864) «1812 год» (1880)

ДРУГИЕ СОЧИНЕНИЯ ДЛЯ ОРКЕСТРА
«Итальянское каприччио» (1880)
«Серенада для струнного оркестра» (1880)
«Воевода» — баллада (1891)
4 оркестровые сюиты (1879, 1883, 1884, 1887)

ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЕ КОНЦЕРТЫ И КОНЦЕРТНЫЕ ПЬЕСЫ
3 концерта для фортепиано с оркестром (1875, 1880—1893, 1893)
Концерт для скрипки с оркестром (1878)
Вариации на тему рококо для виолончели с оркестром (1876)
«Меланхолическая серенада» (1875)
«Вальс-скерцо» (1877)

ХОРОВЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ
4 кантаты, в том числе «Москва» (1883)
«Литургия Иоанна Златоуста» (1878)
«Всенощное бдение» (1881)
Хоры a cappella: «Соловушко», «Ночевала тучка золотая», «Вечер» и др,

КАМЕРНЫЕ ИНСТРУМЕНТАЛЬНЫЕ АНСАМБЛИ
3 струнных квартета (1871, 1874, 1876)
Фортепианное трио «Памяти великого художника» (1882)
«Воспоминание о Флоренции», струнный секстет (1892)

ФОРТЕПИАННЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ
Свыше 100, в том числе: циклы «Детский альбом» (24 легкие пьесы, 1878), «Времена года» (1876), 2 сонаты, вальсы, мазурки, скерцо и др.

ПРОИЗВЕДЕНИЯ ДЛЯ СКРИПКИ С ФОРТЕПИАНО
«Размышление», «Вальс-скерцо», «Мелодия» ор. 42

КАМЕРНЫЕ ВОКАЛЬНЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ
Свыше 100 романсов (ор. 6, 25, 27, 28, 38, 47, 54, 57, 60, 63, 65, 73)
Шесть дуэтов ор. 46

Посмотреть балет «Щелкунчик» П.И. Чайковского

Уже больше 125 лет балет «Щелкунчик» живет на театральной сцене — и все это время балетмейстеры продолжают искать новые подходы к музыке Петра Чайковского, а сказка Эрнста Гофмана раз за разом получает новые оригинальные воплощения.

В 1890 году Петр Чайковский получил от дирекции Императорских театров заказ на одноактную оперу и двухактный балет. Композитор, находившийся тогда на пике популярности после успешных премьер балета «Спящая красавица» и оперы «Пиковая дама», должен был написать музыку для так называемого сборного спектакля: оперу и балет планировали представить в один вечер в декабре 1891 года.

Для оперы Чайковский сам выбрал полюбившийся ему сюжет драмы датского писателя Генрика Герца — «Дочь короля Рене». А создать балет по сказке Гофмана «Щелкунчик и Мышиный король» ему предложили директор Императорских театров Иван Всеволожский и знаменитый балетмейстер Мариус Петипа. У последнего уже был примерный сценарий постановки, который, правда, сильно изменился в процессе работы.

Чайковский согласился, поскольку со сказкой Гофмана был уже знаком. Сохранилось письмо, в котором композитор благодарил музыкального критика Сергея Флёрова, приславшего ему издание «Щелкунчика и Мышиного короля» на русском языке, и отзывался о книге как о «превосходнейшем переводе превосходной сказки».

По задумке Мариуса Петипа, новогодняя «пряничная» сказка про волшебный город Конфитюренбург должна была стать совершенно не такой, какой мы ее знаем. На создание либретто балетмейстера вдохновила тема Великой французской революции, столетие которой отмечали в 1889 году. Судя по записям Петипа, во втором акте балета должны были звучать популярные французские революционные песни — «Карманьола» и «Добрый путь, милый дю Молле!». Однако балет на революционную тематику в царской России конца XIX века поставить было невозможно, и многие идеи Петипа остались только на бумаге. Хотя мотив из песни «Добрый путь, милый дю Молле!» Чайковский по просьбе балетмейстера в партитуре сохранил.

Премьера балета «Щелкунчик» состоялась в декабре 1892 года в Мариинском театре в Санкт-Петербурге. Первым балетмейстером — постановщиком стал Лев Иванов.

С тех пор балет пережил рекордное количество постановок, как классических, так и новаторских.

Музыка к «Щелкунчику» в целом богата на цитаты. Например, арабский танец «Кофе» из второго акта балета основан на традиционной грузинской колыбельной песне. Ее мелодию Чайковский лично слышал в Грузии: его брат Анатолий был вице-губернатором Тбилиси, и композитор несколько раз бывал у него в гостях.
В танце родителей и гостей звучит немецкая мелодия «Grossvater Tanz» («Танец дедушки»), которую до этого использовал в одном из своих произведений Роберт Шуман — один из любимых композиторов Чайковского. Мелодия «Grossvater Tanz» появилась в XVII веке, однако до сих пор доподлинно неизвестно, был ли этот танец народным или принадлежал авторству Карла Готлиба Геринга. На протяжении несколько веков лирический «Grossvater Tanz» исполняли в конце свадебной церемонии.

ЛИБРЕТТО

ПРОЛОГ

В канун Рождества советник медицины Штальбаум собирает в своем доме гостей. Сам хозяин и его жена с детьми – Мари и Францем, приветливо встречают пришедших на праздник.

ДЕЙСТВИЕ ПЕРВОЕ

В уютном доме все готово к празднику. Дети с нетерпением ждут рождественские подарки. Вспыхнула елка разноцветными огнями, начались танцы, родители дарят детям подарки. Вдруг на пороге гостиной появляется незнакомец в маске. Он снимает ее, и все узнают доброго Дроссельмейера, крестного Мари. Дроссельмейер показывает фокусы, а затем достает Щелкунчика и рассказывает историю этой куклы.

Сказка закончилась, все аплодируют Дроссельмейеру. Мари просит подарить ей Щелкунчика. В этот момент Франц отнимает куклу и ломает ее. Дроссельмейер прогоняет несносного мальчишку, чинит Щелкунчика и дарит его крестнице.

Праздничный вечер заканчивается, исполняется последний танец – гросфатер. Гости расходятся. Елка гаснет. Мари пробирается в опустевшую гостиную, чтобы еще раз взглянуть на Щелкунчика, оставшегося под елкой. Вместе с боем часов, словно по волшебству, появляется Дроссельмейер.

Вокруг все начинает преображаться: елка растет, и вместе с ней комната превращается в огромный зал. Щелкунчик и игрушки тоже увеличиваются и оживают. Вдруг в комнате появляются мыши во главе с Мышиным королем. Им противостоит отважный Щелкунчик с немногочисленной армией елочных игрушек. Начинается бой: Щелкунчик храбро сражается с мышиной армией, но силы неравны. Еще немного… и Мышиный король одержит верх. Дроссельмейер подает Мари горящую свечу, которую она в отчаянии бросает в Мышиного короля. В это время Щелкунчику удалось освободиться. Он пронзает саблей Мышиного короля, а остатки «серой» армии разбегаются в панике по своим норам. Противник побежден. Чары рассеялись: Мари видит перед собой прекрасного Принца.

Взявшись за руки, Мари и Принц присоединяются к волшебному хороводу снежинок и через звездное небо спешат в королевство Принца.

ДЕЙСТВИЕ ВТОРОЕ

Мари и Принц любуются звездным небом. Дроссельмейер неотступно следует за ними. Волшебный шар, на котором они летят, опускается перед стенами сказочного города. Дроссельмейер проходит к воротам замка и открывает их волшебным ключом, потом незаметно исчезает. Мари и Принц входят в тронный зал. Их встречают король, королева и торжественная свита. Жители волшебного города преподносят подарки и устраивают необыкновенный праздник.

ЭПИЛОГ

Неожиданно возникает фигура Дроссельмейера. Все замерло: стены замка исчезают, появляется гостиная дома Штальбаумов. В углу комнаты – спящая Мари с куклой-Щелкунчиком. Проснувшись, девочка видит Дроссельмейера. Она подбегает к нему, чтобы поблагодарить за чудесную рождественскую сказку.

СТРОЕНИЕ БАЛЕТА

Увертюра

Действие первое. Картина 1.

• Украшение Рождественской Елки
• Марш
• Детский галоп и выход гостей
• Сцена с танцами (выход Дроссельмаера)
  • Танец заводных кукол (мазурка)
  • Демонический танец
• Сцена и танец родителей (Гроссфатер)
• Сцена (Уход гостей. Ночь)
  • Первый вальс Маши с Щелкунчиком
  • Полька
  • Колыбельная
• Сцена (Сражение)

Действие первое. Картина 2.

• Сцена (Еловый лес зимой) (рост ёлки)
• Вальс снежных хлопьев (танец снежинок)

Действие второе

• Сцена (Дворец сластей Конфитюренбург)
• Сцена (Прибытие Клары и Щелкунчика)
• Дивертисмент
  • Шоколад (Испанский танец)
  • Кофе (Арабский танец)
  • Чай (Китайский танец)
  • Трепак (Русский танец) (карамельная трость)
  • Танец пастушков (Датский марципан)
  • Мамаша Гигонь (Жигонь) и паяцы
• Вальс цветов
• Па-де-де (Фея Драже и принц Оршад)
  • Вариация I (Тарантелла)
  • Вариация II (Танец Феи Драже)
  • Кода
• Финальный вальс
• Апофеоз

Разбор музыкальных номеров.

Действие первое. Картина 1.

Марш

В Марше воссоздана картина ребячьего праздника. Композитор придал этому номеру черты «игрушечности». В пьесе три части. Первая часть начинается с упругих и отрывистых аккордов у духовых инструментов. Им отвечает задорная мелодия скрипок с колким упругим ритмом. В средней части передаётся суетливая беготня детворы. Мелодия звучит в быстром темпе, а ровное движение шестнадцатых придаёт ей особую лёгкость, почти невесомость. Её исполняет в верхнем регистре флейта. Третья часть марша — реприза — полностью повторяет первую. В этом номере преобладает верхний регистр, который подчёркивает мир беззаботного детства.

Действие второе

Испанский танец (Шоколад)

Написан танец в двухчастной форме. Тема первой части танца звучит празднично и ярко. Её исполняет труба на фоне дробного оркестрового аккомпанемента. Во второй части появляется нежная и грациозная мелодия. Её исполняют скрипки, а аккомпанируют им в чётком ритме кастаньеты.

Арабский танец (Кофе)

Музыка звучит неторопливо, плавно и завораживающе. Напевно исполняют мелодию скрипки. Очень душевно «поют» параллельные терции в верхнем голосе. Звучит эта красивая мелодия на фоне однообразного аккомпанемента. Интервалы квинт и кварт создают пустоту, которая напоминает арабские пустыни. В конце фраз тихо слышен музыкальный инструмент бубен, который часто применяют в качестве аккомпанемента во время исполнения восточного танца. Выдержана пьеса в одном характере, контрастных эпизодов здесь нет.

Китайский танец (Чай)

Этот танец по характеру смешной, причудливый, комичный, очень живой и активный. Танцоры, как заводные куклы, всё время подпрыгивают. Кружатся, переворачиваются. Их движения чёткие и острые. Мелодия звучит у флейты в очень высоком регистре. Стремительные взлёты, неожиданные скачки делают её рисунок причудливым. А аккомпанируют свистящей флейте два топочущихся на месте фагота. Они звучат в низком регистре. Такое контрастное сопоставление регистров и тембров придаёт музыке комический, игрушечный эффект.

Русский танец (Трепак)

Самый быстрый по темпу и удалой по характеру народный танец. Он исполняется ярким звучанием всех инструментов (тутти). Очень лихие и активные прыжки и притоптывания переданы в музыке внезапным громким подчёркиванием аккордов (сфорцандо).

Танец пастушков

Танец пастушков — один из самых изящных и грациозных номеров дивертисмента. Звучит в спокойном темпе и в умеренной звучности. Движения танцоров отличаются гибкостью и пластичностью. Написан танец в трёхчастной форме. По замыслу Петипа, пастушки, а их трое, танцуют, «играя» на дудочках, сделанных из камыша.

Основная тема танца звучит в ре — мажоре и имеет аккордовое изложение. Мелодия по характеру нежная и изящная. Такое ощущение складывается потому, что её исполняют мягко и светло три флейты. В середине пьесы появляется новая тема, которая звучит в тональности фа — диез минор. Её исполняют две трубы в терцию шестнадцатыми нотами легко и непрерывно.

В репризе возвращается первая часть, то есть звучит тема, с которой начинался танец.

Вальс цветов

Этот яркий, запоминающийся танец завершает дивертисмент. Он принадлежит к лучшим вальсам Чайковского. Вступление звучит торжественно с виртуозной каденцией. Начинается танец тихо у валторн, но сразу же ощущается торжественно- праздничный характер этой главной темы. Её продолжают ряд гибких и широких по дыханию мелодий в исполнении чередующихся солирующих инструментов и групп оркестра. Одна тема красивее другой. Словно утопаешь в море мелодий. Постоянно происходит смена эмоций, несмотря на то, что все темы звучат в мажоре, кроме одной. В самом центре вальса появляется взволнованная, патетическая си — минорная тема в исполнении виолончелей и альтов. Она врывается неожиданно, словно вихрь — как воспоминание о недавно пережитых волнениях. Во время звучания этой темы постоянно присутствует напряжение, мелодия наполняется речитативными фразами, особенно в конце. Она остаётся как бы недосказанной, и «успокаивается» возвращением первой темы. Форма вальса трёхчастна ( в зеркальном отражении): Вступление -А — В — С — В — А -кода.

Адажио

Адажио в балете — это па — де — де, которое по традиции исполняют главные герои. В балете «Щелкунчик» его исполняют фея Драже и принц Оршад. Этот номер является кульминацией всего балета. Он звучит как торжественный гимн добру, красоте и любви. Волнообразные переливающиеся арпеджио арф сопровождают мелодию виолончелей. Она звучит необычайно радостно и вдохновенно.

В среднем разделе адажио — светлая прозрачная лирическая мелодия, которую исполняет солирующий гобой, а затем — кларнет. Реприза звучит торжественно и мощно в исполнении всего оркестра — тутти.

Танец феи Драже

В конце праздника в танцах принимает участие и сама фея Драже. Она загадочна и прекрасна. Для передачи в музыке такого загадочного характера П.И. Чайковский использовал здесь новый в то время для России музыкальный инструмент — челесту. Он специально выписал её из Франции. Этот инструмент своим прозрачно — серебристым тембром напоминает звон колокольчиков. Звуки челесты помогают передать в музыке переливы фонтанов сладких напитков, блеск разноцветных леденцов, сверкание драгоценностей, которых очень много в волшебном царстве сладостей. Мелодия танца звучит хрупко, нежно, очень аккуратно и осторожно — хрустально!

Балет «Щелкунчик» — лучшее произведение П.И. Чайковского, которое он написал для детей. Слушая его, человек имеет возможность задуматься о таких важных ценностях жизни, как — любовь, добро, преданность, сострадание, красота. Музыка «Щелкунчика» вдохновляет, завораживает, нравственно укрепляет и напоминает о том, что в человеке главными чертами должны быть чистота души и доброта. Балет настолько популярен, что его можно услышать не только во время спектакля. Например, в симфонических концертах часто исполняется сюита из нескольких его номеров.

Узнать больше об балете П.И. Чайковского «Щелкунчик»

Номера, которые будут в Викторине:

1. Марш. Действие 1. Картина 1
2. Испанский танец. Действие 2.
3. Арабский танец. Действие 2.
4. Китайский танец. Действие 2.
5. Трепак (Русский танец). Действие 2.
6. Танец пастушков. Действие 2.
7. Вальс цветов. Действие 2.
8. Адажио (Па-де-де). Действие 2.
9. Вариация II (Танец феи Драже). Действие 2.

Ниже, Вы можете посмотреть весь балет целиком.

«Никто не в состоянии делать всё: балагурить и
потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и всё
одинаково хорошо, как это умеет Гайдн» Вольфганг Амадей Моцарт
 Франц Йозеф Гайдн – великий австрийский композитор, один из
представителей венского классицизма.
 Й. Гайдна называют «отцом симфонии и квартета» – в его
творчестве эти жанры стали классическими.

Инструменты Й. Гайдна

Миклош Иосиф Эстерхази

ХАРАКТЕРИСТИКА ТВОРЧЕСТВА

Австрийский композитор XVIII века. Один из представителей венского класси­цизма.

Черты стиля

Музыка Гайдна — жизнерадостная, энергичная, светлая. Большинство произведений написано в мажорных тональностях (например, лишь одна из 12 Лондонских симфоний — минорная).

Неиссякаемая фантазия и остроумие — одна из характерных черт стиля Гайдна

Жанры

Симфонии, камерные ансамбли, оперы, оратории, концерты для различных инструментов, произведения для клавира и др.

Новаторство

• Создал классические образцы симфоний, сонат, квартетов.
• В зрелых симфониях (Лондонских) окончательно сформировалась классиче­ская сонатная форма и сонатно-симфонический цикл.
• Утвердил в своем творчестве основной метод симфонического развития — мотивно-тематическое (выделение из темы короткого активного элемента и его развитие).
•  В последних симфониях Гайдн окончательно сформировался состав симфоничес­кого оркестра: струнный квинтет и группа пуховых инструментов, построенная по принципу парности (две флейты, два гобоя, два кларнета, два фагота, две вал­торны, две трубы и литавры).
• Гайдн обновил и обогатил народными интонациями тематический материал.

В форме сонатно-симфонического цикла пишутся симфонии, сонаты, концерты,концерт ансамбли (трио и квартеты)

В симфонии — четыре части, в сонате и концерте — три части.

Симфонический цикл:

История балета

Как создается балет

Видео об создании пуантов

История пуантов

История балетной пачки

Балет – это искусство одухотворенной пластики, мысли, воплощенной в движении, жизни, показанной средствами хореографии.

Театр уж полон; ложи блещут;
Партер и кресла — все кипит;
В райке нетерпеливо плещут,
И, взвившись, занавес шумит.
Блистательна, полувоздушна,
Смычку волшебному послушна,
Толпою нимф окружена,
Стоит Истомина; она,
Одной ногой касаясь пола,
Другою медленно кружит,
И вдруг прыжок, и вдруг летит,
Летит, как пух от уст Эола;
То стан совьет, то разовьет И быстрой ножкой ножку бьет.

Так А. С. Пушкин писал о знаменитейшей балерине своего времени. Вы, конечно, знаете, что русский балет славится уже несколько ве­ков. Имена русских балерин и танцовщиков известны во всем мире.

История балета начинается в эпоху Возрождения (XV-XVI век) в Италии. Слово «балет» произошло от итальянского «baletto» — танец. Так называют спектакль, в котором объединены музыка, танец, драмати­ческое и изобразительное искусства. Было вре­мя, когда этот вид искусства включал не толь­ко танцы, но и песенные и разговорные эпизо­ды. Такие веселые танцевальные сценки испол­няли на карнавалах в эпоху Возрождения в Италии. Тогда он назывался опера — балет.

Значимой фигурой в истории развития балета становится Екатерина Медичи. Из Италии она привозит это искусство во Францию, устраивает spectaculi для приглашенных гостей. Например, послы из Польши смогли увидеть грандиозную постановку под названием Le Ballet des Polonais.

Считается, что по-настоящему близким к современному балету был шедевр Ballet Comique de la Reine, который держал зрителей в напряжении более пяти часов. Поставили его в 1581 году.

Днем рождения балета во всем мире принято считать 15 октября 1581 года.

Во Франции в XVII в. был популярен при­дворный балет. Это было пышное зрелище, в котором иногда участвовали король, королева, придворные. Конечно, они не были настоящи­ми танцорами.

Чуть позже, во второй половине XVII в. знаменитый драматург Мольер написал несколько комедий-балетов, музыку к которым создал известнейший тогда композитор Ж.Б. Люлли, бывший также и балетмейстером. А исполняли эти балеты актеры труппы Мольера, которые тоже не были профессиональными танцовщи­ками.

И только в XVIII в. появился балет в со­временном понимании этого слова. Именно французские балетмейстеры, среди которых появились выдающиеся мастера, создали спе­циальный «хореографический язык», которым пользуются до сих пор.

В создании балета участвуют: сценарист, он же либреттист — он пишет либретто, композитор пишет музыку, балетмейстер (от нем. «постановщик балета») ставит хореографические сцены, танцы, создаёт систему движений в пространстве сцены или танцевальной площадки, определяет грим и костюмы персонажей, выбирает декорации и освещение, сочиняет хореографию (от греч. «пляска» и «пишу»), художник придумывает костюмы действующих лиц и декорации.

Отдельного внимания, как в опере, так и балете, заслуживают театральные декорации и костюмы. Они являются важнейшими элементами при создании атмосферы и формировании визуальной целостности спектакля. Выдающиеся русские художники Василий Поленов, Виктор Васнецов, Исаак Левитан, Константин Коровин, Валентин Серов, Михаил Врубель в постановках опер русских композиторов передавали своеобразие отечественной истории, картин природы, поэзию сказочных образов.

Балет всегда поражает красотой выразитель­ных движений, жестов, мимики. Основными его компонентами являются классический танец, характерный танец и пантомима.

Классический танец — тот, что сложился во Франции. Он очень красив и изящен.

Классический танец исполняется на пуантах (от франц. «остриё, кончик») – специальной обуви, с твердым носком, который изготовляют из розового атласа и закрепляют лентами на ноге танцовщицы. Классический танец включает элементы придворного этикета: поклоны, реверансы, торжественную поступь. Для него необходимы: выворотность ног, отточенная техника прыжков и вращений. Классический танец бывает быстрый, виртуозный — Аллегро или медленный, плавный, лирический – Адажио.

Ярким образцом является знаме­нитое Адажио из балета Чайковского «Лебеди­ное озеро».

Характерный танец выражает характеры: национальный, фантастический, комический, сказочный.

Пантомима– немая актерская игра, состоящая из выразительных жестов и мимики. Она, подобно оперному речитативу, связывает отдельные танцы, помогает развитию действия. Пантомима и танец объединяются в особом «действенном танце», или па д’аксьон.

Музыка в балете подчинена четким танцевальным ритмам. В классических балетах звучат вальсы, польки, галопы, старинные менуэты, гавоты, сарабанды, национальные танцы – итальянская тарантелла, испанское болеро, польская мазурка и др. Издавна применяются ритмы марша. Есть место в балете и для программно-изобразительной музыки, которая обрисовывает картины, объясняет сценические ситуации.

П. И. Чайковский сравнивал музыку балета с симфонией – многие герои имеют темы-характеристики. Их называют лейтмотивами (от нем. «ведущий мотив»).

По своему строению балет похож на оперу – начинается с увертюры, делится на действия, картины, сцены и номера. Чаще всего балет заканчивается апофеозом – заключением, в котором участвуют все исполнители.

Балетные номера бывают сольные, ансамблевые и массовые.

Соль­ный танец в балете называется вариациями — танец одного солиста, состоящая из трех частей. . Он похож на оперную арию, потому что как бы рисует портрет героя, помогает понять его харак­тер. Широко известны вариации Китри из ба­лета Минкуса «Дон Кихот».

Па-де-де – танец двух солистов. Он состоит из общего выхода – антре, лирического дуэта – адажио, мужских и женских вариаций и заключения – коды. Известные па-де-де Одетты и принца Зигфрида из балета Чайковского «Лебединое озе­ро», Жизели и Альберта из «Жизели» Адана, Китри и Базиля из «Дон Кихота» Минкуса.

И вариации и адажио могут вхо­дить в ансамблевые танцы.

Па-де-труа – танец трех солистов. Па-де-катр— танец четырех солистов.

Ансамблевые номера исполняют корифеи – ведущие артисты кордебалета (от 4 до 8 исполнителей).

Массовые номера исполняет кордебалет (от франц. «корпус балета») — коллектив танцовщиков – от 8 до 30 человек. Главный принцип композиции в этих танцах – симметрия и геометрическая правильность. Хореографические группы образуют круги, квадраты, звезды, кресты и другие геометрические фигуры.

Часто в балетное действие включается ряд танцев, расположенных в определенном порядке, который заканчивается балетной кодой. Подобная сюита называется дивертисмент (от франц. «развлечение»).

Па д’аксьон — действенный танец — основан на выра­зительных жестах, передающих самые важные моменты действия.

Итак, мы перечислили основные составля­ющие классического балета.

Современный ба­лет, который сегодня также пользуется боль­шой популярностью, наряду с элементами клас­сического танца, широко применяет движения гимнастические и акробатические. Именно они очень часто делают его современным.

Большую роль в развитии жанра сыграл ро­мантический балет XIX в. с его сказочными, фантастическими сюжетами и главенствующей ролью женских образов («Жизель» Адана, «Коппелия», «Фадетта» Делиба и др.).

Огромные до­стижения в балетной музыке были связаны с именами Чайковского («Лебединое озеро», «Спя­щая красавица», «Щелкунчик»), Глазунова («Раймонда»), Стравинского («Жар-птица», «Весна священная», «Петрушка»), Равеля («Дафнис и Хлоя»).

Русская музыка XX в. мо­жет гордиться балетами Прокофьева («Ромео и Джульетта», «Золушка», «Каменный цветок»), Шостаковича, Глиэра, Хачатуряна, Караева, Щедрина.

Классици́зм (classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейской культуре XVII-XIX вв.

В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в наличии единого, всеобщего порядка, управляющего ходом вещей в природе и жизни, гармоничности человеческой натуры.

В восемнадцатом столетии начинается новый этап развития общественного сознания – Эпоха Просвещения.

• Разрушается старый общественный порядок;
• Первостепенное значение приобретают идеи уважения человеческого достоинства, свободы и счастья;
• Личность обретает независимость и зрелость, использует свой разум и критическое мышление;
• На смену идеалам эпохи Барокко приходит новый стиль жизни, основанный на естественности и простоте.

Наступает время идеалистических взглядов Жан-Жака Руссо, призывающего вернуться к природе, к естественной добродетели и свободе. Наряду с природой идеализируется Античность. Античное искусство получает название классического, его признают образцовым, наиболее правдивым, совершенным, гармоничным и, в отличие от Барокко, считают простым и понятным.

На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности. В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность.

Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное.

Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры.

•  «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком (трагедия, гимн, ода).
• А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.

Классицизм в музыке

Музыка Классицизма чрезвычайно театральна, она как будто копирует искусство театра, подражает ему.

В музыке классического века часто подразумевается сюжет, некое действие, которое развёртывается перед слушателями так же, как действие театральное развёртывается перед зрителями.

Слушателю только остаётся включить воображение и узнать в «музыкальной одежде» персонажей классической комедии или трагедии.

Искусство театра помогает объяснить и большие перемены в исполнении музыки, которые совершились в 18 веке. Раньше, главным местом, где звучала музыка, был храм. Теперь, в 18 веке, музыка звучит в аристократическом салоне, в бальном зале дворянской усадьбы или на городской площади. Слушатель века Просвещения как будто обращается с музыкой «на ты» и не испытывает больше восторг и робость.

Столицей музыкального мира в те времена (вторая половина XVIII – начало XIX вв.) была Вена. Самыми яркими композиторами Классицизма были великие австрийцы — Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен. Их принято считать основоположниками Венской классической школы.

Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки – от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, – вот главная черта творчества венских классиков.

Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум. Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность формы.

Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем – он с легкостью творил в любом жанре. Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы – от оперы буфф до музыкальной драмы.

В плане предпочтений композиторами тех или иных образных сфер для Гайдна более характерны объективные народно-жанровые зарисовки, пастораль, галантность, Бетховену близка героика и драматизм, а также философичность, ну и, конечно, природа, в небольшой степени и утончённая лирика. Моцарт охватил, пожалуй, все существующие образные сферы.

Но кроме них жили и творили и другие композиторы:

Музыкальные жанры

​Музыкальная культура классицизма создает новые жанры инструментальной музыки – соната, симфония, концерт. Сформировалась многочастная сонатно-симфоническая форма, до сих пор являющаяся основой многих инструментальных сочинений.

 В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет.

Опера-сериа и опера-буффа

XVIII век с музыкальной точки зрения характеризовался безраздельным господством итальянской оперы за исключением, может быть, Франции. Практически при всех королевских дворах Европы состояли театральные труппы, в которых играли либо сами итальянцы, либо музыканты и актеры, обучавшиеся в Италии. Развитие жанра опера-сериа (серьезной оперы) состоялось во многом благодаря деятельности Пьетро Метастазио. Находясь на должности придворного поэта у Карла VI Австрийского, он написал множество либретто на тематику античной мифологии. «Метастазианские» либретто использовали многие знаменитые композиторы XVIII века, а сами оперные произведения состояли из трех актов, в них было не более шести персонажей, и практически не использовался хор.​

Между тем, во Франции продолжался расцвет лирической трагедии. Хоры, балеты, эффектные театральные постановки этого жанра достигли совершенства в творчестве Жана-Филиппа Рамо. Однако где-то рядом, постепенно, пробивала себе дорогу к музыкальным вершинам более востребованная слушателем, схожая с галантностью классицизма комическая опера-буффа.

Первые оперы-буффа являлись краткими пьесами, которые ставились во время антрактов для развлечения публики, пришедших смотреть серьезную оперу. Но уже к 1750 году комические оперы заняли прочное место на сцене и начали вытеснять серьезную предшественницу. Последняя знаменитая опера-сериа «Милосердие Тита» была написана Моцартом в 1791 году, уже в эпоху классицизма.

Церковная музыка​

Более тысячи лет, вплоть до XVII столетия, христианская церковь оставалась главным центром сосредоточения музыкального профессионализма. В XVII-XVIII веках бурное развитие светской музыки, появление симфонии, оперы, сонаты, концерта оказало сильнейшее влияние на церковную музыку. Классицизм привнес драматизацию и симфонизацию церковного жанра, реформа иногда приводила к тому, что произведения, написанные специально для богослужений, переводились в разряд светской музыки.

Музыка классицизма удивительным образом сочетает в себе внешнюю простоту и ясность с глубоким внутренним содержанием, которому не чужды сильные чувства и драматизм. Классицизм является стилем определенной исторической эпохи, причём стиль этот не забыт, а имеет серьёзные связи с музыкой современности (неоклассицизм,  полистилистика) и является основой всей академической музыки.

Посмотреть видео Классицизм в музыке

Орган — духовой клавишный инструмент, известный еще у древних египтян, греков, римлян. В западноевропейских странах он появился в VII веке. Вначале орган сопровождал церковное пение во время богослужения. Постепенно он превратился в сольный инструмент. Долгое время его называли «королем ин­струментов». Устройство его непрерывно совершенствовалось. В настоящее время орган употребляется в первую очередь как сольный концертный инструмент. Огромные размеры, связанные со сложностью конструкции, значительно ограничивают его распространение.

Современный орган состоит из набора деревянных и металли­ческих труб, число которых доходит до нескольких тысяч. Некоторые инструменты имеют до семи ручных клавиатур — мануалов. Педаль представляет собою клавиатуру для ног. Обычно, она имеет 32 клавиши. Все клавиши органа соединены с его трубами. Нажатие на клавишу дает звук одной и той же высоты, силы. При помощи переключения специальных рычагов звучание органа может принимать окраску различных инструментов оркестра. По этому игра на органе требует большого мастерства.

Орган был любимым инструментом Баха. Композитор создал для него огромное количество произведений. Среди них хоральные прелюдии, хоралы, фантазии, токкаты, прелюдии, фуги, сонаты, обработки концертов других композиторов.

Хоральных обработок Бах создал свыше 150. Хоральная прелюдия — любимый жанр композитора. Хорал — это старинное духовное песнопение, основанное на народных немец­ких мелодиях. Чаще всего хорал был четырехголосным. Исполнение народных напевов в церкви постепенно ослабило живость и яркость этих напевов. Баху удалось вернуть хоральным мелодиям первоначальную силу их выразительности.

Хоральная прелюдия фа минор (фортепианное переложение) представляет собой небольшую пьесу лирического характера. Фа минорную хоральную прелюдию И.С. Бах сочинил на мелодию протестантского хорала «К Тебе взываю, Господи Иисусе Христе». Прелюдию исполняли на четвёртое воскресенье после двунадесятого праздника Троицы. А сам хорал был написан задолго до рождения Баха около 1529 года сподвижником Мартина Лютера и протестанским богословом Иоганном Агриколой (1492-1566). Вдохновенная поэтическая мелодия хорала звучит в верхнем голо­се. Бах как будто поручает ее гобою. Неторопливое, спокойное движение нижних голосов придает звучанию мягкость и особенную глубину.     

  Посмотреть видео об органном творчестве И.С. Баха

Клавирные произведения составляют большую часть творчества композитора.

Посмотреть видео об клавирном творчестве.

Клавирные произведения Баха:

• «Маленькие прелюдии и фуги»
• 15 двухголосных инвенций
• 15 трехголосных инвенций (симфоний)
• 6 «Французских» сюит 
• 6 «Английских» сюит
• 6 партит
• 48 прелюдий и фуг («Хорошо темперированный клавир», два тома)
• «Итальянский концерт»
• «Хроматическая фантазия и фуга»

Его музыкальные образы рождены стихией полифонии. Полифония в переводе с греческого– многоголосие. Такое, в котором каждый голос является одинаково важным и ведет свою выразительную мелодию.

Ведь существует еще и такое многоголосие, в котором ведущее значение имеет только один голос, звучит мелодия. Остальные голоса ему только аккомпанируют. Такой стиль называется гомофонией. Образцом может служить романс или песня с сопровождением.

Полифоническая музыка появилась за много столетий до Баха. Он своим искусством, достигшим истинного совершенства, подготовил итоги развития полифонии.
За многие столетия существования в полифонической музыке возникли свои особые формы и жанры, средства развития. Одной из самых важных среди них является полифония. В музыке этим словом называют повторение мелодии, только что прозвучавшей в другом голосе или у другого инструмента.
Точнее, это поочередное вступление голосов, в котором каждый голос, немного опаздывая, вторит предыдущему. Благодаря имитации ( от латинского – подражание), достигается непрерывность мелодического движения. Этот прием Бах использовал в небольших пьесах, которые писал для своих сыновей – маленькие прелюдии и фуги, инвенции, симфонии.

Ярким примером могут служить пятнадцать двухголосных инвенций композитора. Слово Инвенция переводится как «выдумка», «изобретение». Инвенция — небольшая пьеса полифонического характера. Трудно научиться вести одновременно несколько голосов так, будто их играет не один пианист. При этом еще плавно и мягко. Сделать подобное трудно даже на современном фортепиано, не говоря о старинном клавесине баховской эпохи. Именно Бах принадлежит манера играть закругленными пальцами с «подкладыванием» первого.
Итак, Бах написал свои инвенции для того, чтобы научить своих учеников «красивому и певучему методу исполнения». Но его инвенции – это не просто упражнения. Это высокохудожественные пьесы.

В основе каждой из них – одна короткая выразительная тема. В имитационных произведениях эта тема звучит вначале одноголосно, а затем ее имитирует другой голос. Причем первый не замолкает, он продолжает движение, оттеняя тему. Такое продолжение мелодии называется противосложением.

Нужно добавить, что в инвенциях есть разделы, где тема вообще не проводится. В них могут развиваться элементы основной темы. Такие разделы называют интермедиями( в переводе с латинского интер – между). Такой принцип построения лежит основе Инвенции №1 до мажор.

Но не всегда Бах пользовался только этим принципом, Распространен и другой тип имитации.В нем последующий голос повторяет не только саму тему, но и противосложение. То есть все голоса исполняют одну и ту же мелодию, но не вместе, а вступая поочередно, иногда от одного и того же звука, иногда – от разных. Такая имитация называется канонической или просто каноном. Это непрерывно проводимая имитация. Такое развитие присуще Инвенции №8 фа мажор .

Французская сюита №2 до минор   

В тональности до минор написана вторая из «Французских сюит». По традиции, установившейся в старинных сюитах, она содержит четыре основные части — Аллеманду, Куранту, Сарабанду и Жигу, а также еще две интермедийные части — Арию и Менуэт, вставленные между Сарабандой и Жигой.

Аллеманда — танец, который формировался в XVI—XVII веках в нескольких европейских странах — Англии, Нидерландах, Германии, Франции и Италии. Так, например, старинная немецкая аллеманда была немного тяжеловесным групповым танцем. Но, войдя в клавирные сюиты, аллеманда к XVIII веку почти утеряла танцевальные черты. От своих «предков» она сохранила лишь неторопливую степенную поступь с размером на четыре либо на две четверти. В конце концов она превратилась в свободно построенную
прелюдию. Похожа на задумчивую лирическую прелюдию и Аллеманда из до-минорной сюиты Баха. Здесь чаще всего ведут свои линии три голоса. Но иногда к ним подключается и четвертый голос. При этом самый мелодичный голос — верхний:

Куранта — трехдольный танец французского происхождения. Но для французских клавесинных курант была типична некоторая ритмическая изысканность, манерность. Куранта же в сюите Баха до минор сродни итальянской разновидности данного танцевального жанра — более живой и подвижной. Этому способствует гибкое сочетание двух голосов, которые словно подзадоривают друг друга:

Сарабанда — трехдольный испанский танец. Некогда он был быстрым, темпераментным, а позднее стал медленным, торжественным, нередко близким траурному шествию. Сарабанда из сюиты Баха от начала до конца выдержана в трёхдольном складе. Движение среднего и нижнего голосов все время строгое, сосредоточенное (преобладают четверти и восьмые). А движение верхнего голоса значительно более свободное и подвижное, очень выразительное. Здесь преобладают шестнадцатые, часто встречаются ходы на широкие интервалы (квинту, сексту, септиму). Так образуются два контрастных слоя музыкального изложения, создается лирически напряженное звучание:

Жига — стремительный задорный танец, ведущий свое происхождение из Ирландии и Англии. В старину жигу любили плясать английские матросы. В сюитах жига обычно является заключительной, финальной частью. В своей до-минорной Жиге Бах часто использует прием канонической имитации между двумя голосами (как и в Инвенции фа мажор). Изложение этой пьесы насквозь пронизано подпрыгивающим ритмом:

Цикл основан на принципе контрастного сопоставления танцев ( по характеру, темпам, метроритму, фактуре)

По сравнению с контрастом между Аллемандой и Курантой контраст между Сарабандой и Жигой более острый. Но его смягчают вставленные между ними две дополнительные части. Часть, названная «Арией», скорее походит не на сольный вокальный номер в опере, а на спокойную простодушную песню.
Следующий же за ней Менуэт — французский танец, соединяющий подвижность с грациозностью.

Все танцы сюиты объединены тональностью до минор, двухчастной формой каждого танца, жанром, контрастностью.

Контрастность темпов сочетается здесь с закономерной сменой фактуры: в аллеманде и сарабанде ведущими является верхний голос, в куранте и жиге — голоса равноправны.

Хорошо темперированный клавир

Хорошо темперированный клавир стал настоящей энциклопедией баховских образов. В каждый из двух томов вошли 24 прелюдии и фуги. Том I был написан в 1722 в Кетене, II том — в 1744 году в Лейпциге. Бах хотел этим сочинением внедрить в практику умение пользоваться всеми тональностями темперированного строя, утвердить на практике равноправие всех 24 тональностей.

В начале 18 века клавиатурные инструменты имели лишь приблизительно правильный строй. То есть полутоны хроматической гаммы не были точно равны друг другу. Такой клавесин звучал чисто только в тональностях с малым количеством знаков. Тональности свыше трех-четырех знаков звучали фальшиво и почти не употреблялись. Говоря проще, тогдашние клавесины были очень похожи на сильно расстроенный современный рояль. попробовали бы вы играть на заведомо расстроенном рояле или написать для такого инструмента музыку?! Какие аккорды решились бы вы сочинить, заведомо зная, что чем сложнее будет ваша музыка, тем большей дисгармонией поразит она слушателей?

Но значение клавира как аккомпанирующего и солирующего инструмента все больше возрастало. Поэтому возникла необходимость создания единого правильного строя для клавиров с равновеликими полутонами во всем диапазоне. Темперированный, или равномерный, строй был основан на делении октавы на двенадцать равных полутонов. Нам сегодня трудно поверить, что когда-то было не так, как сейчас. Но именно Баху принадлежит большая роль в осуществлении этой реформы!

Само название указывало, что это произведение было рассчитано на фортепиано новой системы строя и будет служить хорошим пособием при изучении фортепианной игры. Бах даже не предполагал, что созданные им произведения станут сокровищами искусства, что на них будут учиться великие гении: Бетховен, Шопен, Шуман, Лист.

Великий пианист А. Г. Рубинштейн в своей книге «Музыка и ее представители» называл это сочинение Баха «жемчужиной в музыке», говорил о том, что «если бы по несчастью все баховские мотеты, кантаты, мессы и даже музыка к «Страстям господним» потерялись и уцелело бы только это, то нечего было бы отчаиваться — музыка не погибла».

И прелюдии, и фуги «ХТК» исключительно многообразны как в образном, так и в композиционном плане. Среди прелюдий встречаются токкаты органного типа (с-moll, Es-dur), скрипичные импровизации (D-dur), народно-жанровые танцы (Аs-dur), «арии» (es-moll, cis-moll, f-moll, g-moll), пасторали (E-dur), пьесы типа трио для двух солирующих голосов и basso continuo (h-moll). Многие прелюдии напоминают инвенции – 2х-голосные (Cis-dur, F-dur, a-moll, fis-moll) и 3х-голосные (E-dur, gis-moll, A-dur, H-dur).

По форме прелюдии объединяются в 2 группы:

• свободно развивающиеся при «текучей» фактуре (например, прелюдии C-dur, c-moll, D-dur). Для них характерна импровизационность, особенно в заключительных разделах (свободные пассажи, смены темпа, речитативы – они создают перелом в плавном мелодическом развертывании).
• подчиненные принципу старинной двухчастности (например, прелюдии es-moll, g-moll).

Многим баховским прелю­диям присущ импровизационный характер, их построение не свя­зано со строгими закономерностями. Нередко в них ярко выраже­на аккордовая, гомофонная основа. Фуга же представляет собою строго полифоническое произведение. В то же время как и сюиту, прелюдию и фугу объединяет не только общая тональность, но и очень тонкие внутренние связи, различные в каждом отдельном случае.

Таковы, например. прелюдия и фуга до минор из первого тома «Хорошо темперированного клавира». Прелюдию отличает четкий и энергичный ритм. Быстрый темп и единообразная фактура (шестнадцатые) придают музыке большую оживленность и подвижность. Именно такой непрерывно текучий характер движения присущ прелюдиям полифонического склада:

Энергичная и оживленная фуга имеет заметное сходство с пре­людией. Слово «фуга» на латинском языке означает «бег». В музыке фуга — это сложное полифоническое произведение, где один голос как бы догоняет другой или отвечает другому.

В основе большинства фуг лежит одна тема. Значительно реже встречаются двойные и тройные фуги — с двумя и тремя темами. Фугу всегда начинает один голос, который излагает тему. Как в инвенциях и «симфониях», тема фуги является тем «зерном», из ко­торого вырастает все произведение. В зависимости от числа голо­сов фуга может быть двухголосной, трехголосной, четырех- или пятиголосной.

Фуга до минор трехголосна. Названия голосов фуги те же, что и названия голосов в хоре: сопрано, альт, бас. Фуга начинается с одноголосного изложения темы средним (альтовым) голосом в основной тональности. Троекратное проведение основного мелодического оборота, более умеренный, чем в прелюдии, темп, некоторая танцевальность ритма, изящество и грациозность делают ее особенно рельефной и хорошо запоминающейся:

Различный характер прелюдии и фуги не мешает воспринимать их как две части одного цикла. Помимо единой тональности это­му способствует активность движения в обеих пьесах, одинако­вое местоположение и драматический характер кульминаций и, наконец, родственность «затухающих» просветленных заключений.

+Концерты

Бах является родоначальником жанра клавирного концерта. Сначала он перекладывал для клавира скрипичные концерты (свои и Вивальди), затем стал писать концерты для клавира.

У него есть концерты для 1, 2, 3 клавиров с оркестром.

Его концерты состоят из 3 контрастных частей.

• I и IIIч.-быстрые, в основном звучание tutti.
• II ч.- медленная, спокойная, выделяется соло.

Один из лучших концертов Баха — «Итальянский концерт» для клавира соло, фа мажор (1735 г.). В нем нет оркестра, но музыка яркая, оркестровая, это светлое, жизнерадостное, праздничное произведение Баха . К этой группе произведений можно также отнести «Каприччио на отъезд возлюбленного брата» и «Хроматическую фантазию и фугу» ре минор.

Клавирные произведения Баха переросли возможности клавира и по-настоящему зазвучали на современном фортепиано.

Произведения, которые будут в Викторине:

1. Инвенция №1 до мажор.
2. Инвенция №8 фа мажор .
3. 4 основные танца из Французкой сюита №2 до минор.
4. Хорошо темперированный клавир. Прелюдия и фуга До мажор. 1 том.
5. Хорошо темперированный клавир. Прелюдия и фуга до минор. 1 том.
6. Органная хоральная прелюдия фа минор.

Муз.номера на викторину можно прослушать еще раз.

Иоганн Себастьян Бах — великий немецкий композитор XVIII века. Интерес к музыке Баха возник почти сто лет спустя после его смерти: в 1829 году под управлением немецкого композитора Мендельсона было публично исполнено величайшее произведение Баха — «Страсти по Матфею».

Сегодня музыканты всего мира играют музыку Баха, поражаясь ее красоте и вдохновению, мастерству и совершенству. Слово «бах» в переводе с немецкого означает ручей. «Не ручей! — Море должно быть ему имя», — сказал о Бахе великий Бетховен.

Биография композитора

Бах был дважды женат и имел 20 детей. Четверо из его сыновей еще при жизни отца стали знаменитыми музыкантами: Вильгельм Фридеман Бах, Иоганн Кристиан Бах, Иоганн Кристоф Фридрих Бах, Карл Филипп Эммануэль Бах.

Больше узнать об биографии композитора и продолжение здесь и здесь.

Характеристика творчества

Немецкий композитор и органист, представитель эпохи барокко. Творчество И.С. Баха — вершина полифонического стиля эпохи Барокко.

Образы и темы

Воплотил в музыке богатый и сложный внутренний мир человека; возвышен­ные, глубокие религиозные чувства.

Жанры

Свыше 1000 произведений во всех жанрах того времени, кроме оперы:

• вокально-инструментальные (светские и духовные кантаты, пассионы, мессы);
• инструментальные (оркестровые, клавирные произведения для разных инст­рументов соло и с оркестром И Т. д.);
• органные (прелюдии и фуги, токкаты, фантазии, хоральные прелюдии).

Новаторство

• Традиционные жанры обогатил чертами, заимствованными из других видов музыки.
• Объединил токкату (также — фантазию, прелюдию) с фугой в двухчастный цикл в органной и клавирной музыке.
• Создал жанр клавирного концерта.
• Создал произведения для начинающих музыкантов (инвенции и симфонии; нотная тетрадь Анны Магдалены Бах и др.)

Истоки музыкального языка

Большое влияние на творчество Баха оказали: немецкая песня и протестантский хорал, хоровая полифония эпохи Возрождения, итальянская и немецкая органная музыка, итальянская опера и итальянская скрипичная школа, французская клаве­синная музыка.

Протестантский хорал — духовное песнопение на немецкий текст, исполнявшееся при­хожанами. Возник в Германии в XVI веке, когда католические песнопения на латинском языке были заменены на хоралы — народные песни с религиозными текстами на немецком языке. Из него вытек первый национальный жанр инструментальной немецкой музыки — органная хоральная прелюдия или органная хоральная обработка.

Полифония

И.С. Бах — великий полифонист. В его творчестве окончательно сформировалась фуга — высшая форма полифонии.

Гармония

В творчестве композитора сложилась тональная система мажора и минора: гармоничес­кая функциональность, главенство тоники, модуляции в пределах мажоро-минор­ной системы. Использование сложных аккордовых структур.

Мелодии

Яркий, рельефный тематизм. Мелодиям Баха присуща напевность народных песен и хоралов; инструментальная выразительность.

И.С. Бах обладал энциклопедическими познаниями. Конструировал новые инструмен­ты (клавесин-лютня, виола-помпоза).

Был более известен не как композитор, а как виртуоз-импровизатор на орга­не и клавесине. Почти ничего из произведений Баха не было напечатано при его жизни. После того как Ф. Мендельсон в 1829 году исполнил в Берлине «Страсти по Матфею», музыка Баха зазвучала по всему миру.

Список основных произведений.

Вокально-инструментальные произведения

• Месса си минор
• «Страсти по Матфею» и «Страсти по Иоанну»
• Светские и духовные кантаты .

Оркестровые произведения

• 4 увертюры (сюиты)
• «Бранденбургских концертов»

Концерты для солирующих инструментов с оркестром

• концертов для клавира с оркестром.
• 3 Концерта, для двух, 2 — для трех клавиров с оркестром
• 3 концерта для скрипки с оркестром
• Концерт для двух скрипок с оркестром

Произведения для смычковых инструментов

• сонат и партит для скрипки соло .
• 7 сонат для скрипки и клавира
• 6 сюит (сонат) для виолончели соло

Органные произведения      .            ‘

• Хоральные прелюдии    
• Пассакалия до минор
• Прелюдии и фуги     
• Фантазии и токкаты.

Клавирные произведения

• Сборник «Маленькие прелюдии и фуги»
• 15 двухголосных инвенций и 15 «симфоний» (трехголосных инвенций)
• 48 прелюдий и фуг (два тома «Хорошо темперированного клавира»)
• 6 «Французских» и 6 «Английских» сюит 6 партит
• «Итальянский концерт» для клавира, соло
• «Хроматическая фантазия и фуга»

Сегодня мы приступаем к разделу, который станет «вишенкой на торте» в этом курсе. Мировая музыкальная литература. Развитие западно-европейской музыки. Эпохи развития музыкального искусства.

Со второй четверти мы окунемся в каждую эпоху, коснемся истории музыки, композиторов, их биографии и творческого пути. Но начать, пожалуй, стоит с хронологии…

В истории музыки выделяют следующие эпохи:

• Эпоха Античности до IV в. н.э.
• Средневековье IV — XIV в.
• Эпоха Возрождения (Ренессанс) XIV — XVI в.
• Эпоха Барокко XVI — XVIII в.
• Классицизм (Эпоха просвещения) XVIII — XIX в.
• Романтизм XIX в.
• Импрессионизм с 70-х годов XIX в.
• Неоклассицизм XX в.
• Модернизм XX в.

ЭПОХА АНТИЧНОСТИ

Наиболее широкого и блестящего развития музыка античной эпохи достигла в Греции. Развитие древнегреческой музыки охватывает большой исторический период (2 тысячелетие до нашей эры — 5 век нашей эры).

О красоте древнегреческой музыки мы можем судить лишь по косвенным источникам: по памятникам письменности, произведениям изобразительного искусства.

Они свидетельствуют о том, что музыка занимала большое место в общественной жизни Древней Греции. Она сопровождала праздники и тризны, звучала на театральных представлениях, помогала людям трудиться.

Многие греки умели петь и играть на струнных инструментах — лире, кифаре и кимвалах (ударные). Об этом рассказывают нам поэмы Гомера «Илиада» и «Одиссея», изображения на греческих вазах и фресках, скульптуры, барельефы.

Помимо бытовых, обрядовых, хороводных песен, повсеместно распространены были песни рабочие — жнецов и пастухов, ткачей и прядильщиков, корабельщиков. Большое место отводилось песнопениям в честь богов: Аполлона, Диониса, Деметры и др. Торжественные сказания исполняли профессиональные певцы — аэды и рапсоды.

В знаменитых Пифийских играх наряду с атлетами выступали певцы, поэты и музыканты. Победителей награждали лавровыми венками.

Пение с плясками было важной и, пожалуй, красивейшей составной частью народных праздничных действ. Участники изображали сатиров (лесное божество в древнегреческой мифологии), ряженые сопровождали «бога» шумной толпой, они пели, плясали, играли на музыкальных инструментах.

Такие карнавалы с главным номером — дифирамбом — превратились в трагедии. Древнегреческая трагедия стала родоначальником европейского драматического и музыкального театра.

Значение античной музыки, как и других видов искусств Древней Греции, трудно переоценить. Ряд акустических законов музыки открыл математик Пифагор. До сих пор музыканты пользуются многими понятиями и терминами, которые берут свое происхождение от греческой теории музыки: «мелодия», «музыка», «гармония», «ритм», «гамма» и другие.

Античные мифы, предания, трагедии в течение многих веков были источником вдохновения для композиторов. Сюжеты первых опер основаны на греческих мифах, и с тех пор композиторы не раз возвращались к поэтическим преданиям древнегреческого народа.

Миф о певце Орфее, чье пение заставляло плакать камни, усмиряло диких зверей и даже помогло ему проникнуть в «царство мертвых», лег в основу оперы К.В.Глюка «Орфей и Эвридика».

ЭПОХА СРЕДНЕВЕКОВЬЯ (476-1400гг.)

Музыкальная культура средневековья развивалась приблизительно с IV в. до XIV в. на фоне напряженных исторических перемен. Этот период характеризуется постепенным распадом феодального строя, крестовыми походами, соперничеством церкви с властью царей и феодалов.

В эпоху средневековья в Европе складывается музыкальная культура нового типа — феодальная, объединяющая в себе профессиональное искусство, любительское музицирование и фольклор.

Поскольку церковь господствует во всех областях духовной жизни, основу профессионального музыкального искусства составляет деятельность музыкантов в храмах и монастырях.

Светское профессиональное искусство представлено поначалу лишь певцами, создающими и исполняющими эпические сказания при дворе, в домах знати, среди воинов и т. д. (барды, скальды и др.)

Большая часть музыкальных произведений раннего Средневековья была создана для нужд церкви. В католических странах музыку можно было услышать лишь в церквях. Появилась одноголосная церковная музыка, основанная на диатонических ладах, самым известным видом церковных песнопений был григорианский хорал — книга песнопений — антифонарий папы Григория I Великого. Первые варианты антифонария не содержали нотных знаков, а только тексты: сами напевы передавались в устной форме. Григорианский хорал, или «ровный напев» (plain chant), на многие годы стал основным мелодическим фондом европейской музыки.

При этом народное творчество всячески преследовалось церковью, уличные музыканты приравнивались к еретикам, и лишь к концу Средних Веков выделились самостоятельные «светские» музыкальные жанры.
К такому творчеству были отнесены рыцарские баллады, наиболее известным видом таких музыкальных произведений являются серенады. Во Франции исполнителей такой музыки называли трубадурами, а в Германии миннезингерами. Со временем появились и народные уличные песни, несмотря на все сопротивление церковной власти – французский шансон и итальянский мадригал.

727 год — появление органа в католической церкви. Считается, что популярности органа способствовало то, что богослужения в католической церкви велись на латинском языке, который народ не понимал. Идея воздействовать на молящихся людей инструментальной музыкой оказалась важной для развития всей европейской музыки.

С начала IX в. начинают записывать музыку специальными нотными знаками на пергаменте. Запись музыки с помощью нот впервые появилась в трудах Гвидо д’Ареццо первой половины XI века, который начал записывать ноты на четырёхлинейном нотном стане. Впоследствии система дорабатывалась (добавилась пятая линейка, изменился внешний вид нот и ключи), и в современном виде она существует с XVII века.

К IX — X вв. относятся и первые записи полифонических произведений. Появляются двухголосные пьесы — органумы, а позднее и трехголосные — мотеты.

В эпоху средневековья широкое распространение получила месса — многоголосное церковное произведение, сопровождающее богослужение.

~1150-1250гг. Зафиксированы первые имена композиторов К этому времени относится начало парижской школы Нотр-Дам — первого цехового объединения композиторов. Собрание их произведений «Magnus liber organi»   зафиксировало расцвет средневековой многоголосной музыки.

ЭПОХА ВОЗРОЖДЕНИЯ XIV — XVI в.в.

Возрождение или Ренессанс — это период в истории культуры Западной и Центральной Европы, охватывающий примерно XIV — XVI в.в. Свое название — Эпоха Возрождения — этот период получил в связи с возрождением интереса к античному искусству, ставшему идеалом для деятелей культуры нового времени.

Композиторы и музыкальные теоретики изучали древнегреческие музыкальные трактаты, возрождали утерянное совершенство музыки древних греков. Оперное искусство этого времени тоже ориентировалось на законы античной драмы.

Хотя, в основном, музыка оставалася религиозной, но ослабление церковного контроля над обществом открыло композиторам и исполнителям большую свободу в проявлении своих талантов. 

С изобретением печатного станка появилась возможность печатать и распространять ноты, с этого момента и начинается то, что мы называем классической музыкой.

В этот период появились новые музыкальные инструменты. Самыми популярными стали инструменты, на которых любителям музыки игра давалась легко и просто, не требуя специальных навыков.

Именно в это время появилась виола — предшественница скрипки. Благодаря ладам (деревянные полосы поперек грифа) играть на ней было несложно, а звук её был тихим, нежным и хорошо звучал в небольших залах.

Также были популярны и духовые инструменты — блок-флейта, флейта и рожок. Самая сложная музыка писалась для только что созданных клавесина, верджинела (английский клавесин, отличающийся небольшими размерами) и органа. При этом музыканты не забывали слагать и музыку попроще, не требовавшую высоких исполнительских навыков.

На это же время пришлись перемены в нотном письме: на смену тяжелым деревянным печатным блокам пришли изобретенные итальянцем Оттавиано Петруччи передвижные металлические литеры. Опубликованные музыкальные произведения быстро раскупались, все больше людей стали приобщаться к музыке.

Новое в музыке Возрождения:

• Музыка постепенно отходит от средневекового канона
• Появляется само понятие «композитор», становится индивидуальным творческий почерк композиторов
• Изменяется фактура произведений, число голосов увеличивается до четырех, шести и более
• Складываются мажорный и минорный лады и тактовая система ритмики, характерная для более поздней музыки
• Музыка начинает передавать настроение

Все эти новые средства используют композиторы для передачи особого строя чувств эпохи Ренессанса — возвышенного, гармоничного, спокойного и величественного.

Музыка эпохи Возрождения развивалась в двух направлениях — церковном и светском. Основные жанры церковной музыки — месса и мотет — многоголосные произведения для хора без сопровождения или в сопровождении инструментального ансамбля. Из инструментов предпочтение отдавалось органу.

Развитию светской музыки способствовал рост любительского музицирования. Музыка звучала повсюду: на улицах, в домах горожан, во дворцах знатных вельмож. Возродился жанр мадригала — хоровой итальянской песни светского содержания.

В эпоху Возрождения формируются национальные музыкальные школы. Самая крупная из них — нидерландская (франко-фламандская) полифоническая школа. Ее представители — Г. Дюфаи, К. Жанекен, Й. Окегем, Я. Обрехт, Жоскен Депре, О. Лассо. Среди других национальных школ — итальянская (Дж. П. Палестрина), испанская (Т. Л. де Виктория), английская (У. Берд), немецкая (Л. Зенфль).

Эпоха Возрождения завершается появлением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории, оперы, подлинный расцвет которых наступает в последующем столетии.

ЭПОХА БАРОККО XVI — XVIII в.

Музыка барокко — период в развитии европейской академической музыки, приблизительно между 1600 и 1750 годами.

Слово «барокко» предположительно происходит от португальского «perola barroca» — жемчужина или морская раковина причудливой формы.  Примечательно, что похожие латинские слова «Barlocco» или «Brillocco» также использовались в схожем значении — жемчужина необычной формы. И действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться и к музыке того времени.

В это время происходит знаменательный перелом в музыкальном мышлении — полифоническое многоголосие сменяется гомофонно-гармонической системой, что приводит к расцвету культуры импровизации. Существенно изменяется содержательно-смысловая координата музыкального творчества: сфера возвышенно бесстрастной мессы и безмятежной веселой песенной лирики обогащается скорбно-драматическими и трагическими образами. Именно в это историческое время в музыке кристаллизуются национальные школы и понятие стиля обретает смысл четко выраженных отличий итальянской, французской, немецкой, испанской традиций. Помимо формирования национальных моделей именно в эту эпоху становится реальностью композиторская индивидуальность.

Яркими образцами индивидуального стиля являются значительные фигуры Ж.-Б. Люлли, А. Вивальди, Г.Ф. Генделя, И.С. Баха.

Жанры эпохи Барокко

Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах.

• Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти, Георга Фридриха Генделя, Клаудио Монтеверди и других. Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И.С. Баха и Г.Ф. Генделя; оперы и оратории часто использовали схожие музыкальные формы. Например, имевшую широкое распространение арию da capo. 
• Такие формы духовной музыки, как месса и мотет, стали менее популярны, но форме кантаты уделили внимание множество протестантских композиторов.
• Развились такие виртуозные формы сочинения, как токкаты и фуги.
• Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров.
• Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем. 
• Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры с их контрастными быстрыми и медленными частями.

Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И.С. Баха, общепризнанные интеллектуальные шедевры эпохи барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».

Музыкальные инструменты эпохи Барокко

Основным музыкальным инструментом барокко стал орган в духовной и камерной светской музыке. Также широкое распространение получили клавесин, щипковые и смычковые струнные (виолы, барочная гитара, барочная скрипка, виолончель, контрабас), а также деревянные духовые инструменты: различные флейты, кларнет, гобой, фагот. В эпоху барокко функции такого распространённого щипкового струнного инструмента, как лютня, были в значительной степени низведены до аккомпанемента бассо континуо (басовый голос многоголосного музыкального сочинения с цифрами, на основе которых исполнитель строит аккомпанемент, часто импровизируя), постепенно она оказалась вытесненной в этой ипостасти клавишными инструментами. В эпоху барокко формируются первые оркестры и появляется оркестровая музыка.

Послушать Клавикорд Послушать Клавесин Послушать Орган

Послушать Барочную гитару Послушать Барочную скрипку